Ce groupe de travail, maintenant organisé à chaque réunion plénière de l’IETM, offre aux participants un aperçu pratique du monde du théâtre musical et de ce qu’il s’y passe. Cette session s’adresse aux producteurs et aux artistes qui désirent partager des informations pratiques et présenter leurs projets, passés comme futurs. Elle est également destinée à tous les délégués qui souhaitent se tenir informés des nouveautés du théâtre musical et de l’art sonore.

Le 4e symposium international, intitulé Production créative / Nouveaux espaces d’apprentissage. Lors des trois premiers symposiums, nous avons précisé le rôle du producteur créatif. Cette quatrième édition sera dédiée aux programmes d’étude novateurs et à la recherche dans le domaine de la production, de la programmation et de la conservation. Tant l’éducation que la pratique professionnelle occupent un rôle clé dans le développement de nouvelles valeurs et méthodes capables de provoquer la transition dans le domaine des arts du spectacle, et c’est pourquoi nous invitons ces deux secteurs à dialoguer ensemble. Tous les participants sont les bienvenus.

Organisers: le département production et mise en scène de la Theatre school d’Amsterdam, la Graduate School et le master en production créative de la Central School of Speech & Drama de l’Université de Londres.

Ce groupe de travail, maintenant organisé à chaque réunion plénière de l’IETM, offre aux participants un aperçu pratique du monde du théâtre musical et de ce qu’il s’y passe. Cette session s’adresse aux producteurs et aux artistes qui désirent partager des informations pratiques et présenter leurs projets, passés comme futurs. Elle est également destinée à tous les délégués qui souhaitent se tenir informés des nouveautés du théâtre musical et de l’art sonore.

Le 4e symposium international, intitulé Production créative / Nouveaux espaces d’apprentissage. Lors des trois premiers symposiums, nous avons précisé le rôle du producteur créatif. Cette quatrième édition sera dédiée aux programmes d’étude novateurs et à la recherche dans le domaine de la production, de la programmation et de la conservation. Tant l’éducation que la pratique professionnelle occupent un rôle clé dans le développement de nouvelles valeurs et méthodes capables de provoquer la transition dans le domaine des arts du spectacle, et c’est pourquoi nous invitons ces deux secteurs à dialoguer ensemble. Tous les participants sont les bienvenus.

Organisers: le département production et mise en scène de la Theatre school d’Amsterdam, la Graduate School et le master en production créative de la Central School of Speech & Drama de l’Université de Londres.

Les sens du vivant à l’ère du numérique

Les arts de la scène nous permettent de défier de manière créative l’expérience numérique, de réfléchir tous ensemble et d’explorer ses dimensions, ses matériaux et ses modes d’existence qui se multiplient à toute vitesse. À travers la promotion de la diversité et de l’idiosyncrasie, le spectacle vivant nous aide à nous opposer à la pression normative et meurtrière de la numérisation. Mon discours abordera comment le théâtre, ce terrain miné selon Artaud, constitue un moyen à la fois unique et puissant de mobiliser les énergies poétiques nécessaires pour déterminer ce qui est humain et ce que c’est d’être humain. Ce processus est perçu comme un moyen de résistance vital, tournant nos sens du vivant vers l’ère numérique (et post-numérique).

 

Sally Jane Norman a rejoint l’Université du Sussex en 2010 comme Professeur en technologies de la scène, puis y a dirigé un important projet de remise à neuf des arts du spectacle. En 2015, elle a obtenu le titre de co-fondatrice et co-directrice du Sussex Humanities Lab, où elle dirige le volet recherche sur le spectacle numérique. Ses publications sur le vivant et les arts du spectacle, qui s’étendent du théâtre ancien aux réseaux numériques, sont solidement documentées grâce à son expérience professionnelle. Elle participe régulièrement à des consultations sur la politique culturelle internationale et sur des projets de recherche, et prend également part à des activités de lobbying.

Ouverture des portes à 15h00

Le théâtre DeLaMar se trouve en face du SSBA

Les sens du vivant à l’ère du numérique

Les arts de la scène nous permettent de défier de manière créative l’expérience numérique, de réfléchir tous ensemble et d’explorer ses dimensions, ses matériaux et ses modes d’existence qui se multiplient à toute vitesse. À travers la promotion de la diversité et de l’idiosyncrasie, le spectacle vivant nous aide à nous opposer à la pression normative et meurtrière de la numérisation. Mon discours abordera comment le théâtre, ce terrain miné selon Artaud, constitue un moyen à la fois unique et puissant de mobiliser les énergies poétiques nécessaires pour déterminer ce qui est humain et ce que c’est d’être humain. Ce processus est perçu comme un moyen de résistance vital, tournant nos sens du vivant vers l’ère numérique (et post-numérique).

 

Sally Jane Norman a rejoint l’Université du Sussex en 2010 comme Professeur en technologies de la scène, puis y a dirigé un important projet de remise à neuf des arts du spectacle. En 2015, elle a obtenu le titre de co-fondatrice et co-directrice du Sussex Humanities Lab, où elle dirige le volet recherche sur le spectacle numérique. Ses publications sur le vivant et les arts du spectacle, qui s’étendent du théâtre ancien aux réseaux numériques, sont solidement documentées grâce à son expérience professionnelle. Elle participe régulièrement à des consultations sur la politique culturelle internationale et sur des projets de recherche, et prend également part à des activités de lobbying.

Ouverture des portes à 15h00

Le théâtre DeLaMar se trouve en face du SSBA

Prenez votre petit-déjeuner (ou digérez-le) devant la présentation de l’outil interactif en ligne d’évaluation du risque (OiRA) pour le secteur du spectacle vivant en Europe. Cet outil a été développé pour aider les salles et les productions artistiques à relever les défis de la santé et de la sécurité au travail. Techniciens sur un pont, acteurs sur une plateforme, substances chimiques des effets spéciaux, niveaux de bruit élevés, tout ça en présence d’un public : il est clair que des approches d’évaluation du risque spécifiques à chaque secteur sont nécessaires, mais elles représentent aussi un énorme défi. C’est pourquoi PEARLE* (Ligue européenne des associations d’employeurs des arts du spectacle) et l’EAEA (Alliance européenne des médias et du spectacle) ont travaillé pendant plusieurs années au développement d’un outil simple et convivial.

Prenez votre petit-déjeuner (ou digérez-le) devant la présentation de l’outil interactif en ligne d’évaluation du risque (OiRA) pour le secteur du spectacle vivant en Europe. Cet outil a été développé pour aider les salles et les productions artistiques à relever les défis de la santé et de la sécurité au travail. Techniciens sur un pont, acteurs sur une plateforme, substances chimiques des effets spéciaux, niveaux de bruit élevés, tout ça en présence d’un public : il est clair que des approches d’évaluation du risque spécifiques à chaque secteur sont nécessaires, mais elles représentent aussi un énorme défi. C’est pourquoi PEARLE* (Ligue européenne des associations d’employeurs des arts du spectacle) et l’EAEA (Alliance européenne des médias et du spectacle) ont travaillé pendant plusieurs années au développement d’un outil simple et convivial.

Internet et les nouveaux outils numériques ont transformé l’« espace public » traditionnel et ont creusé de nouveaux chemins vers la propriété et la créativité. D’un côté, le numérique a envahi cet espace traditionnel, faisant naître autant d’opportunités que de craintes. De l’autre, il a créé un espace immatériel et universel qui évolue sans cesse. Les spectacles ont longtemps eu lieu dans la rue, faisant de cet espace un instrument politique à des fins de provocation artistique, de militantisme ou de réinterprétation ludique de la perspective. Comment les arts de la scène réagissent-ils à l’omniprésence des médias dans l’espace public ? Cet espace numérique constitue-t-il un environnement clé pour des actions coopératives et participatives qui renouent avec les spectateurs ?

Nous supposons qu’une génération qui a grandi dans un monde peuplé d’écrans et de personnages 3D appréciera les spectacles qui utilisent les technologies numériques de pointe, ou même ceux où il est possible d’influencer ce qui se passe sur scène. Le numérique est-il capable de révolutionner le secteur des arts du spectacle ? Se trouve-t-il à la source de ce que l’on appelle le théâtre numérique ? Si oui, comment ? À travers cette session en lien avec « Génération Y : comment surfent-ils ? », des enfants du numérique et des experts nous montreront comment ce « nouveau théâtre » change la façon dont la nouvelle génération voit le monde.

Dans le cadre de la réunion plénière de l’IETM à Amsterdam, nous sommes heureux de vous proposer une nouvelle formation avec le soutien du British Council, que des formateurs et experts chevronnés actuellement producteurs à l'international seront chargés d’animer. Nous espérons que les résultats de ce partenariat encourageront d’autres organisations artistiques internationales à s’allier à l’IETM pour développer ensemble de nouvelles formations dans un contexte pan-européen et mondial permanent.

Pour qui ?

Cette formation est destinée aux petites compagnies et aux artistes indépendants qui s’interrogent sur leur développement professionnel et artistique. Elle sera utile à tous ceux qui se situent à l’aube de leur processus artistique ou ceux qui présentent déjà leur travail, mais qui ont négligé les bases de leur offre artistique par manque de temps.

Qu’y a-t-il au programme ?

L’objectif de ce cours, qui combinera ateliers pratiques, discussions et activités d’apprentissage entre pairs, est de vous permettre d’interroger votre modèle économique créatif. Les animateurs s’attarderont sur des éléments variés tels que :

• la mission
• les valeurs
• les compétences
• la planification
• comprendre l’argument de vente unique
• construire des partenariats et des collaborations

Qui animera la formation ?

Vous serez encadrés par Gary Hills, que beaucoup d’entre vous connaissent déjà grâce aux précédentes réunions de l’IETM. Gary a également travaillé en tant que formateur et a animé plusieurs ateliers pour le British Council. Dans le cadre de cette formation, Gary sera épaulé par Veselin Dimov et Aniko Racz.

Comment s’inscrire ?

Afin de nous assurer que les participants se situent à un niveau approprié, vous devez déposer votre candidature pour pouvoir participer. Le nombre de places est limité. Pour vous inscrire, veuillez compléter le formulaire ci-dessous avant le 8 avril.

Postuler

Internet et les nouveaux outils numériques ont transformé l’« espace public » traditionnel et ont creusé de nouveaux chemins vers la propriété et la créativité. D’un côté, le numérique a envahi cet espace traditionnel, faisant naître autant d’opportunités que de craintes. De l’autre, il a créé un espace immatériel et universel qui évolue sans cesse. Les spectacles ont longtemps eu lieu dans la rue, faisant de cet espace un instrument politique à des fins de provocation artistique, de militantisme ou de réinterprétation ludique de la perspective. Comment les arts de la scène réagissent-ils à l’omniprésence des médias dans l’espace public ? Cet espace numérique constitue-t-il un environnement clé pour des actions coopératives et participatives qui renouent avec les spectateurs ?

Nous supposons qu’une génération qui a grandi dans un monde peuplé d’écrans et de personnages 3D appréciera les spectacles qui utilisent les technologies numériques de pointe, ou même ceux où il est possible d’influencer ce qui se passe sur scène. Le numérique est-il capable de révolutionner le secteur des arts du spectacle ? Se trouve-t-il à la source de ce que l’on appelle le théâtre numérique ? Si oui, comment ? À travers cette session en lien avec « Génération Y : comment surfent-ils ? », des enfants du numérique et des experts nous montreront comment ce « nouveau théâtre » change la façon dont la nouvelle génération voit le monde.

Dans le cadre de la réunion plénière de l’IETM à Amsterdam, nous sommes heureux de vous proposer une nouvelle formation avec le soutien du British Council, que des formateurs et experts chevronnés actuellement producteurs à l'international seront chargés d’animer. Nous espérons que les résultats de ce partenariat encourageront d’autres organisations artistiques internationales à s’allier à l’IETM pour développer ensemble de nouvelles formations dans un contexte pan-européen et mondial permanent.

Pour qui ?

Cette formation est destinée aux petites compagnies et aux artistes indépendants qui s’interrogent sur leur développement professionnel et artistique. Elle sera utile à tous ceux qui se situent à l’aube de leur processus artistique ou ceux qui présentent déjà leur travail, mais qui ont négligé les bases de leur offre artistique par manque de temps.

Qu’y a-t-il au programme ?

L’objectif de ce cours, qui combinera ateliers pratiques, discussions et activités d’apprentissage entre pairs, est de vous permettre d’interroger votre modèle économique créatif. Les animateurs s’attarderont sur des éléments variés tels que :

• la mission
• les valeurs
• les compétences
• la planification
• comprendre l’argument de vente unique
• construire des partenariats et des collaborations

Qui animera la formation ?

Vous serez encadrés par Gary Hills, que beaucoup d’entre vous connaissent déjà grâce aux précédentes réunions de l’IETM. Gary a également travaillé en tant que formateur et a animé plusieurs ateliers pour le British Council. Dans le cadre de cette formation, Gary sera épaulé par Veselin Dimov et Aniko Racz.

Comment s’inscrire ?

Afin de nous assurer que les participants se situent à un niveau approprié, vous devez déposer votre candidature pour pouvoir participer. Le nombre de places est limité. Pour vous inscrire, veuillez compléter le formulaire ci-dessous avant le 8 avril.

Postuler

Nous vivons dans un monde bombardé de données et envahi par les appareils numériques. Internet et les réseaux pénètrent dans des endroits et des domaines inattendus. Auriez-vous imaginé qu’un jour, la lumière de la scène varierait en fonction des émotions du public? Comment saisir et comprendre cette réalité physique pourtant abstraite? Cette session explore les possibilités et les facteurs de réussite du théâtre interactif, auquel les spectateurs peuvent participer à l’aide de leur téléphone portable. Sander Veenhof, artiste, utilise la ville comme une plateforme virtuelle et donne ainsi vie au monde virtuel.

Nous vivons dans un monde bombardé de données et envahi par les appareils numériques. Internet et les réseaux pénètrent dans des endroits et des domaines inattendus. Auriez-vous imaginé qu’un jour, la lumière de la scène varierait en fonction des émotions du public? Comment saisir et comprendre cette réalité physique pourtant abstraite? Cette session explore les possibilités et les facteurs de réussite du théâtre interactif, auquel les spectateurs peuvent participer à l’aide de leur téléphone portable. Sander Veenhof, artiste, utilise la ville comme une plateforme virtuelle et donne ainsi vie au monde virtuel.

Coincés par des budgets réduits, comment pouvons-nous communiquer avec les personnes habilitées à nous octroyer le financement et le soutien dont nous avons besoin? Faut-il lier les arts directement à la communauté afin de démontrer leurs valeurs aux politiques, ou bien défendre les arts en avançant l’argument d’élément indispensable à une société saine qui ne peut être mesuré en termes de production? Quelle stratégie adopter pour convaincre les décideurs du rôle des arts dans le projet européen? Quel genre de projet est-ce devenu aujourd’hui, alors que le néolibéralisme et les programmes axés sur le marché l’emportent? Après un bref discours de Julie Ward, membre du Parlement européen, nous entendrons son opinion et le vôtre sur l’initiative « Alliance Européenne pour la Culture et les Arts » (cofondée par l’IETM), ainsi que sur le manifeste de l’Alliance paru récemment, intitulé « Le pouvoir de la culture et des arts ».

Coincés par des budgets réduits, comment pouvons-nous communiquer avec les personnes habilitées à nous octroyer le financement et le soutien dont nous avons besoin? Faut-il lier les arts directement à la communauté afin de démontrer leurs valeurs aux politiques, ou bien défendre les arts en avançant l’argument d’élément indispensable à une société saine qui ne peut être mesuré en termes de production? Quelle stratégie adopter pour convaincre les décideurs du rôle des arts dans le projet européen? Quel genre de projet est-ce devenu aujourd’hui, alors que le néolibéralisme et les programmes axés sur le marché l’emportent? Après un bref discours de Julie Ward, membre du Parlement européen, nous entendrons son opinion et le vôtre sur l’initiative « Alliance Européenne pour la Culture et les Arts » (cofondée par l’IETM), ainsi que sur le manifeste de l’Alliance paru récemment, intitulé « Le pouvoir de la culture et des arts ».

Que reste-t-il du théâtre une fois débarrassé de tous ses artifices? D’après Lotte van den Berg, metteuse en scène néerlandaise, le théâtre représente avant tout la volonté de communiquer. Il ne s’agit pas d’une simple conversation, mais bien, en s’inspirant des mots de la philosophe politique Chantal Mouffe, d’une négociation agonistique d’opinions variées, ou comment partager un conflit sans le résoudre entièrement. Au fil des années, Lotte van den Berg s’est progressivement rapprochée de l’essence première du théâtre à travers son travail. Aujourd’hui, avec « Construire le dialogue », elle franchit la dernière étape logique de ce processus. Associée à l’artiste visuel Daan’t Sas, elle libère le théâtre de tous ses faux-semblants et le présente tel qu’il est: un lieu de communication, de rencontre, un espace où les conflits surviennent et apparaissent au grand jour. Des modèles et des cadres pour le dialogue surgissent, fondés sur les techniques de communication « live » du monde entier.

Reservez votre place!

Spectacle participatif dirigé par Lotte van den Berg www.lottevandenberg.nu - Pays-Bas

Marina Toeters travaille à la pointe de la technologie et de la mode. Elle nous montrera des vêtements novateurs comme de la mode dynamique/changeante, des vêtements permettant de réduire le stress ou d’améliorer la posture du corps au travail, ou encore des vêtements capables de détecter et d’activer la performance. Elle vous invitera ensuite à débattre, discuter et faire un brainstorming sur comment ces vêtements avec technologie intégrée pourraient être incorporés au théâtre ou aux paramètres régissant les spectacles. Elle apportera des échantillons et quelques-uns de ses produits à toucher et essayer.

Chacun des professionnels invités a expérimenté à sa manière l’utilisation du numérique dans ses pratiques artistiques. Ils sont impatients de partager leurs découvertes avec vous et de vous montrer comment ils se sont servis des nouvelles technologies pour réussir. Un contexte propice à une discussion ouverte sur le comment et le pourquoi des procédés numériques.

Si l’économie collaborative est devenue célèbre grâce à des entreprises numériques comme AirBnB ou Uber, elle représente en réalité un concept beaucoup plus large pouvant même s’étendre au secteur des arts sans mettre à mal nos valeurs. Définie comme un réseau horizontal et un accès partagé aux biens et services basé sur la communauté, l’économie collaborative répartit le pouvoir au sein des communautés plutôt qu’au sein d’institutions centralisées. Avec la culture des hackathons et du Do it yourself, elle peut donner naissance à des fab labs, des espaces de travail partagé ou des plateformes fondées sur la communauté, transformant ainsi de façon drastique nos habitudes de travail. Cependant, nous sommes confrontés à des questions difficiles. Qu’implique cette collaboration en termes de propriété intellectuelle ? Où se trouve la ligne entre producteur et consommateur ? À quoi pouvons-nous faire confiance ?

Que reste-t-il du théâtre une fois débarrassé de tous ses artifices? D’après Lotte van den Berg, metteuse en scène néerlandaise, le théâtre représente avant tout la volonté de communiquer. Il ne s’agit pas d’une simple conversation, mais bien, en s’inspirant des mots de la philosophe politique Chantal Mouffe, d’une négociation agonistique d’opinions variées, ou comment partager un conflit sans le résoudre entièrement. Au fil des années, Lotte van den Berg s’est progressivement rapprochée de l’essence première du théâtre à travers son travail. Aujourd’hui, avec « Construire le dialogue », elle franchit la dernière étape logique de ce processus. Associée à l’artiste visuel Daan’t Sas, elle libère le théâtre de tous ses faux-semblants et le présente tel qu’il est: un lieu de communication, de rencontre, un espace où les conflits surviennent et apparaissent au grand jour. Des modèles et des cadres pour le dialogue surgissent, fondés sur les techniques de communication « live » du monde entier.

Reservez votre place!

Spectacle participatif dirigé par Lotte van den Berg www.lottevandenberg.nu - Pays-Bas

Marina Toeters travaille à la pointe de la technologie et de la mode. Elle nous montrera des vêtements novateurs comme de la mode dynamique/changeante, des vêtements permettant de réduire le stress ou d’améliorer la posture du corps au travail, ou encore des vêtements capables de détecter et d’activer la performance. Elle vous invitera ensuite à débattre, discuter et faire un brainstorming sur comment ces vêtements avec technologie intégrée pourraient être incorporés au théâtre ou aux paramètres régissant les spectacles. Elle apportera des échantillons et quelques-uns de ses produits à toucher et essayer.

Chacun des professionnels invités a expérimenté à sa manière l’utilisation du numérique dans ses pratiques artistiques. Ils sont impatients de partager leurs découvertes avec vous et de vous montrer comment ils se sont servis des nouvelles technologies pour réussir. Un contexte propice à une discussion ouverte sur le comment et le pourquoi des procédés numériques.

Si l’économie collaborative est devenue célèbre grâce à des entreprises numériques comme AirBnB ou Uber, elle représente en réalité un concept beaucoup plus large pouvant même s’étendre au secteur des arts sans mettre à mal nos valeurs. Définie comme un réseau horizontal et un accès partagé aux biens et services basé sur la communauté, l’économie collaborative répartit le pouvoir au sein des communautés plutôt qu’au sein d’institutions centralisées. Avec la culture des hackathons et du Do it yourself, elle peut donner naissance à des fab labs, des espaces de travail partagé ou des plateformes fondées sur la communauté, transformant ainsi de façon drastique nos habitudes de travail. Cependant, nous sommes confrontés à des questions difficiles. Qu’implique cette collaboration en termes de propriété intellectuelle ? Où se trouve la ligne entre producteur et consommateur ? À quoi pouvons-nous faire confiance ?

La nature des arts consiste à chercher la réalité grâce à l’imagination, et celle des hommes à la définir grâce à des valeurs, à l’éducation, au contexte social, géographique et culturel. L’art aurait le pouvoir de faire tomber les barrières qui séparent les groupes, mais notre secteur reflète-t-il vraiment les réalités multiples des villes dans lesquelles nous vivons? Quelles stratégies le monde des arts a-t-il avancées pour s’adresser à ce corps toujours autre, genré, invalide ou colonial? Quel rôle jouer afin d’ouvrir nos sociétés et notre secteur à une multiplicité de valeurs, de milieux, de traditions et de styles de vie différents? Quelles sont nos responsabilités et comment les partager avec nos alliés dans le domaine? Ce débat abordera l’urgence pour les arts de s’ouvrir à tous les aspects de la société: à toutes les classes, ethnies, religions, aptitudes physiques, ainsi qu’à tous les contextes dans lesquels ils s’inscrivent.

Cette session fait suite à la performance Shijn - Fahd Larhzaoui (12:30 - 13:40) 

Nous avons invité des filles et des garçons expérimentés, tous experts de longue date dans leur domaine, à partager leurs expériences avec vous, à évoquer les échecs qu’ils ont rencontrés avant de connaître le succès, et à répondre à vos questions. Au cours de la session, vous pourrez choisir deux tables et quitterez ainsi la salle avec de nouvelles idées, de nouvelles compétences et plus de savoir-faire. Les noms des experts seront indiqués sur le tableau à côté du comptoir d’inscription ; il vous suffira de choisir les experts avec qui vous désirez vous asseoir.

La nature des arts consiste à chercher la réalité grâce à l’imagination, et celle des hommes à la définir grâce à des valeurs, à l’éducation, au contexte social, géographique et culturel. L’art aurait le pouvoir de faire tomber les barrières qui séparent les groupes, mais notre secteur reflète-t-il vraiment les réalités multiples des villes dans lesquelles nous vivons? Quelles stratégies le monde des arts a-t-il avancées pour s’adresser à ce corps toujours autre, genré, invalide ou colonial? Quel rôle jouer afin d’ouvrir nos sociétés et notre secteur à une multiplicité de valeurs, de milieux, de traditions et de styles de vie différents? Quelles sont nos responsabilités et comment les partager avec nos alliés dans le domaine? Ce débat abordera l’urgence pour les arts de s’ouvrir à tous les aspects de la société: à toutes les classes, ethnies, religions, aptitudes physiques, ainsi qu’à tous les contextes dans lesquels ils s’inscrivent.

Cette session fait suite à la performance Shijn - Fahd Larhzaoui (12:30 - 13:40) 

Nous avons invité des filles et des garçons expérimentés, tous experts de longue date dans leur domaine, à partager leurs expériences avec vous, à évoquer les échecs qu’ils ont rencontrés avant de connaître le succès, et à répondre à vos questions. Au cours de la session, vous pourrez choisir deux tables et quitterez ainsi la salle avec de nouvelles idées, de nouvelles compétences et plus de savoir-faire. Les noms des experts seront indiqués sur le tableau à côté du comptoir d’inscription ; il vous suffira de choisir les experts avec qui vous désirez vous asseoir.

La narration transmédia cherche à construire un monde narratif à travers des canaux variés : réseaux sociaux, jeux vidéo, films, romans, applications pour mobile, ainsi qu'à travers certains aspects de la vie réelle. Au cours de cette session, la narration transdisciplinaire sera abordée via les approches de pionniers qui travaillent ensemble en combinant leurs différents domaines de spécialité. Les expériences présentées créent une réalité alternative pour et avec le public, permettant ainsi aux participants d'interagir avec l'histoire et même d'en changer le cours. Il en résulte un lien émotionnel fort et une vraie expérience immersive, mais qu’est-ce que cela signifie pour le théâtre, la télévision, l’art et le public ? Au fond, quelles sont les limites de la narration transmédia et transdisciplinaire ? Fonctionnent-t-elles pour tout type de contenu, d'échelle et de cause ? Nous discuterons des choses à faire et à ne pasfaire que les metteurs en scène rencontrent au cours de ce processus.

La narration transmédia cherche à construire un monde narratif à travers des canaux variés : réseaux sociaux, jeux vidéo, films, romans, applications pour mobile, ainsi qu'à travers certains aspects de la vie réelle. Au cours de cette session, la narration transdisciplinaire sera abordée via les approches de pionniers qui travaillent ensemble en combinant leurs différents domaines de spécialité. Les expériences présentées créent une réalité alternative pour et avec le public, permettant ainsi aux participants d'interagir avec l'histoire et même d'en changer le cours. Il en résulte un lien émotionnel fort et une vraie expérience immersive, mais qu’est-ce que cela signifie pour le théâtre, la télévision, l’art et le public ? Au fond, quelles sont les limites de la narration transmédia et transdisciplinaire ? Fonctionnent-t-elles pour tout type de contenu, d'échelle et de cause ? Nous discuterons des choses à faire et à ne pasfaire que les metteurs en scène rencontrent au cours de ce processus.

Quelle est l’utilité de diffuser un spectacle vivant, une conférence ou tout autre événement? Quel impact cela a-t-il? Comment les organisations et les artistes peuvent-ils devenir des travailleurs collaboratifs?

HowlRound.TV est un projet mondial d’archive vidéo et de diffusion en direct en libre accès fondé sur la collectivité et la collaboration. Il vise à mettre fin à l’isolation géographique, à promouvoir le partage de ressources et les infrastructures collectives, et à développer des connaissances et des liens avec d’autres professionnels du domaine. Cette session vous permettra d’en apprendrez plus sur l’utilité et l’impact d’un tel projet, mais vous découvrirez aussi comment la technologie de la diffusion en direct fonctionne et quel est le matériel nécessaire.

Quelle est l’utilité de diffuser un spectacle vivant, une conférence ou tout autre événement? Quel impact cela a-t-il? Comment les organisations et les artistes peuvent-ils devenir des travailleurs collaboratifs?

HowlRound.TV est un projet mondial d’archive vidéo et de diffusion en direct en libre accès fondé sur la collectivité et la collaboration. Il vise à mettre fin à l’isolation géographique, à promouvoir le partage de ressources et les infrastructures collectives, et à développer des connaissances et des liens avec d’autres professionnels du domaine. Cette session vous permettra d’en apprendrez plus sur l’utilité et l’impact d’un tel projet, mais vous découvrirez aussi comment la technologie de la diffusion en direct fonctionne et quel est le matériel nécessaire.

Bien que la gestion de la culture varie selon chaque pays, il existe quelques principes de base essentiels. Le Dr. Giep Hagoort nous expliquera, à l’aide d’exemples croustillants, en quoi consiste l’essence de la bonne gestion culturelle. Il parlera également des caractéristiques qui rendraient un modèle de gestion adapté au théâtre, un secteur partagé entre la dimension artistique et la dimension administrative.

Bien que la gestion de la culture varie selon chaque pays, il existe quelques principes de base essentiels. Le Dr. Giep Hagoort nous expliquera, à l’aide d’exemples croustillants, en quoi consiste l’essence de la bonne gestion culturelle. Il parlera également des caractéristiques qui rendraient un modèle de gestion adapté au théâtre, un secteur partagé entre la dimension artistique et la dimension administrative.

Les jeux vidéo sont communément considérés comme une nouvelle forme d’art. Mais qu’est-ce que le théâtre et les jeux virtuels peuvent-ils apprendre l’un de l’autre? Ces deux secteurs se fondent sur le besoin de jouer propre aux hommes. Le théâtre a évolué en une forme d’art où ce sont les acteurs qui s’en chargent. Pour les jeux, en revanche, c’est le public ou le participant qui occupent le rôle principal. Alors que la qualité des jeux vidéo continue de s’améliorer tant au niveau graphique que narratif, les arts du spectacle ont de plus en plus recours à des outils numériques capables de transformer le public en joueur. Cette session nous introduira aux liens existants entre les deux disciplines et analysera la façon dont jeux vidéo et arts du spectacle reflètent le comportement humain, et recherchent constamment l’aspect performatif du jeu.

De nos jours, que nous l’admettions ou non, nous avons peu de chances de réussir sans être activement présents sur Internet. Stratégie relative aux réseaux sociaux, blog, site web attrayant… Tout cela n’est-il pas hors de prix et extrêmement coûteux en temps ?

Cette session vous montrera comment créer et gérer un site web à un prix abordable. Nous verrons comment utiliser et choisir les bons réseaux sociaux en fonction de vos besoins, de vos objectifs et de vos compétences. Nous vous parlerons également des logiciels open source et des fournisseurs alternatifs et éthiques de services web.

Les jeux vidéo sont communément considérés comme une nouvelle forme d’art. Mais qu’est-ce que le théâtre et les jeux virtuels peuvent-ils apprendre l’un de l’autre? Ces deux secteurs se fondent sur le besoin de jouer propre aux hommes. Le théâtre a évolué en une forme d’art où ce sont les acteurs qui s’en chargent. Pour les jeux, en revanche, c’est le public ou le participant qui occupent le rôle principal. Alors que la qualité des jeux vidéo continue de s’améliorer tant au niveau graphique que narratif, les arts du spectacle ont de plus en plus recours à des outils numériques capables de transformer le public en joueur. Cette session nous introduira aux liens existants entre les deux disciplines et analysera la façon dont jeux vidéo et arts du spectacle reflètent le comportement humain, et recherchent constamment l’aspect performatif du jeu.

De nos jours, que nous l’admettions ou non, nous avons peu de chances de réussir sans être activement présents sur Internet. Stratégie relative aux réseaux sociaux, blog, site web attrayant… Tout cela n’est-il pas hors de prix et extrêmement coûteux en temps ?

Cette session vous montrera comment créer et gérer un site web à un prix abordable. Nous verrons comment utiliser et choisir les bons réseaux sociaux en fonction de vos besoins, de vos objectifs et de vos compétences. Nous vous parlerons également des logiciels open source et des fournisseurs alternatifs et éthiques de services web.

Dans le cadre de la réunion plénière de l’IETM à Amsterdam, nous sommes heureux de vous proposer une nouvelle formation avec le soutien du British Council, que des formateurs et experts chevronnés actuellement producteurs à l'international seront chargés d’animer. Nous espérons que les résultats de ce partenariat encourageront d’autres organisations artistiques internationales à s’allier à l’IETM pour développer ensemble de nouvelles formations dans un contexte pan-européen et mondial permanent.

Pour qui ?

Cette formation est destinée aux petites compagnies et aux artistes indépendants qui s’interrogent sur leur développement professionnel et artistique. Elle sera utile à tous ceux qui se situent à l’aube de leur processus artistique ou ceux qui présentent déjà leur travail, mais qui ont négligé les bases de leur offre artistique par manque de temps.

Qu’y a-t-il au programme ?

L’objectif de ce cours, qui combinera ateliers pratiques, discussions et activités d’apprentissage entre pairs, est de vous permettre d’interroger votre modèle économique créatif. Les animateurs s’attarderont sur des éléments variés tels que :

• la mission
• les valeurs
• les compétences
• la planification
• comprendre l’argument de vente unique
• construire des partenariats et des collaborations

Qui animera la formation ?

Vous serez encadrés par Gary Hills, que beaucoup d’entre vous connaissent déjà grâce aux précédentes réunions de l’IETM. Gary a également travaillé en tant que formateur et a animé plusieurs ateliers pour le British Council. Dans le cadre de cette formation, Gary sera épaulé par Veselin Dimov et Aniko Racz.

Comment s’inscrire ?

Afin de nous assurer que les participants se situent à un niveau approprié, vous devez déposer votre candidature pour pouvoir participer. Le nombre de places est limité. Pour vous inscrire, veuillez compléter le formulaire ci-dessous avant le 8 avril.

Postuler

Beaucoup d’artistes se disent être les garants de la conscience de la société. Dans quelle mesure voulons-nous et sommes-nous capables de prendre position lorsque les options de développer ou poursuivre notre carrière qui s’offrent à nous représentent un véritable défi? Et si adopter un comportement éthique devenait un luxe hors de prix? Dans cette session, nous discuterons de l’équilibre fragile entre perdre notre public et accepter le soutien de régimes controversés ou de sponsors qui violent nos valeurs. Devons-nous rester à l’écart de la politique? Devons-nous boycotter les régimes et les bailleurs de fonds contestés? Faut-il exclure les artistes et les organisations qui travaillent avec eux? Quel est le prix à payer (même si cela semble être la chose à faire) pour adopter une position morale?

Naviguer à travers les espaces virtuels est devenu une habitude pour la plupart d’entre nous. La technologie n’est rien d’autre qu’un moyen d’amplifier nos capacités, et c’est particulièrement vrai pour la génération Y, née entre 1981 et 2000. La technologie nous aide à faire plus, plus vite. La génération Y a grandi avec les jeux de rôles sur ordinateur, a appris à danser le tango sur Youtube et organise sa vie sociale via Snapchat ou Instagram. Son mantra: video ergo sum. Qui est responsable, la technologie ou l’humain ? Y a-t-il une démarcation entre les réalités virtuelles et physiques, ou s’agit-il simplement d’un « dualisme numérique » dépassé? Quelle est la place du vivant (le théâtre) dans cette nouvelle réalité ?

Dans le cadre de la réunion plénière de l’IETM à Amsterdam, nous sommes heureux de vous proposer une nouvelle formation avec le soutien du British Council, que des formateurs et experts chevronnés actuellement producteurs à l'international seront chargés d’animer. Nous espérons que les résultats de ce partenariat encourageront d’autres organisations artistiques internationales à s’allier à l’IETM pour développer ensemble de nouvelles formations dans un contexte pan-européen et mondial permanent.

Pour qui ?

Cette formation est destinée aux petites compagnies et aux artistes indépendants qui s’interrogent sur leur développement professionnel et artistique. Elle sera utile à tous ceux qui se situent à l’aube de leur processus artistique ou ceux qui présentent déjà leur travail, mais qui ont négligé les bases de leur offre artistique par manque de temps.

Qu’y a-t-il au programme ?

L’objectif de ce cours, qui combinera ateliers pratiques, discussions et activités d’apprentissage entre pairs, est de vous permettre d’interroger votre modèle économique créatif. Les animateurs s’attarderont sur des éléments variés tels que :

• la mission
• les valeurs
• les compétences
• la planification
• comprendre l’argument de vente unique
• construire des partenariats et des collaborations

Qui animera la formation ?

Vous serez encadrés par Gary Hills, que beaucoup d’entre vous connaissent déjà grâce aux précédentes réunions de l’IETM. Gary a également travaillé en tant que formateur et a animé plusieurs ateliers pour le British Council. Dans le cadre de cette formation, Gary sera épaulé par Veselin Dimov et Aniko Racz.

Comment s’inscrire ?

Afin de nous assurer que les participants se situent à un niveau approprié, vous devez déposer votre candidature pour pouvoir participer. Le nombre de places est limité. Pour vous inscrire, veuillez compléter le formulaire ci-dessous avant le 8 avril.

Postuler

Beaucoup d’artistes se disent être les garants de la conscience de la société. Dans quelle mesure voulons-nous et sommes-nous capables de prendre position lorsque les options de développer ou poursuivre notre carrière qui s’offrent à nous représentent un véritable défi? Et si adopter un comportement éthique devenait un luxe hors de prix? Dans cette session, nous discuterons de l’équilibre fragile entre perdre notre public et accepter le soutien de régimes controversés ou de sponsors qui violent nos valeurs. Devons-nous rester à l’écart de la politique? Devons-nous boycotter les régimes et les bailleurs de fonds contestés? Faut-il exclure les artistes et les organisations qui travaillent avec eux? Quel est le prix à payer (même si cela semble être la chose à faire) pour adopter une position morale?

Naviguer à travers les espaces virtuels est devenu une habitude pour la plupart d’entre nous. La technologie n’est rien d’autre qu’un moyen d’amplifier nos capacités, et c’est particulièrement vrai pour la génération Y, née entre 1981 et 2000. La technologie nous aide à faire plus, plus vite. La génération Y a grandi avec les jeux de rôles sur ordinateur, a appris à danser le tango sur Youtube et organise sa vie sociale via Snapchat ou Instagram. Son mantra: video ergo sum. Qui est responsable, la technologie ou l’humain ? Y a-t-il une démarcation entre les réalités virtuelles et physiques, ou s’agit-il simplement d’un « dualisme numérique » dépassé? Quelle est la place du vivant (le théâtre) dans cette nouvelle réalité ?

Les avancées technologiques ont un impact de plus en plus fort sur la vie de tous les jours et sur les formes d’expression culturelle. De plus en plus, nous vivons dans un mélange de réel et de virtuel, dans lequel nous communiquons et échangeons nos expériences. La plupart des appareils que nous utilisons sont connectés au web. L’espace public et privé commencent à fusionner, et nous apparaissons en ligne comme des personnages fictifs que nous avons nous-même créés.

Comment la technologie est-elle pertinente pour le théâtre? Le théâtre traditionnel est-il voué à devenir l’exception? Comment les avancées technologiques actuelles telles que la réalité mélangée, le transmédia et l’Internet des objets peuvent-elles raconter des histoires et créer des expériences théâtrales? Comment concevoir des spectacles sur des « scènes » multiples et comprendre le public quand il devient co-créateur?

Dans ce discours d’ouverture, Joris Weijdom, chercheur et concepteur d’expériences de réalité mélangée à l’Université des arts d’Utrecht (HKU), abordera ces questions et vous présentera des exemples inspirants issus du monde de la technologie, des médias et du théâtre à la manière d’un grand huit.

Joris Weijdom est chercheur, concepteur et conférencier, spécialiste des expériences interactives de réalité mélangée. Il dirige le groupe de recherche Performativité et Média au centre de recherche Processus performatifs de l’Université des arts d’Utrecht (HKU). Joris Weijdom s’intéresse en particulier à mettre les personnes, les outils et la méthodologie en relation dans des processus de recherche co-créatifs fondés sur la pratique. En plus de ses activités de recherche et de conception, il donne des cours en bachelier et en master, des conférences, et organise des ateliers aux Pays-Bas comme à l’étranger.

Les avancées technologiques ont un impact de plus en plus fort sur la vie de tous les jours et sur les formes d’expression culturelle. De plus en plus, nous vivons dans un mélange de réel et de virtuel, dans lequel nous communiquons et échangeons nos expériences. La plupart des appareils que nous utilisons sont connectés au web. L’espace public et privé commencent à fusionner, et nous apparaissons en ligne comme des personnages fictifs que nous avons nous-même créés.

Comment la technologie est-elle pertinente pour le théâtre? Le théâtre traditionnel est-il voué à devenir l’exception? Comment les avancées technologiques actuelles telles que la réalité mélangée, le transmédia et l’Internet des objets peuvent-elles raconter des histoires et créer des expériences théâtrales? Comment concevoir des spectacles sur des « scènes » multiples et comprendre le public quand il devient co-créateur?

Dans ce discours d’ouverture, Joris Weijdom, chercheur et concepteur d’expériences de réalité mélangée à l’Université des arts d’Utrecht (HKU), abordera ces questions et vous présentera des exemples inspirants issus du monde de la technologie, des médias et du théâtre à la manière d’un grand huit.

Joris Weijdom est chercheur, concepteur et conférencier, spécialiste des expériences interactives de réalité mélangée. Il dirige le groupe de recherche Performativité et Média au centre de recherche Processus performatifs de l’Université des arts d’Utrecht (HKU). Joris Weijdom s’intéresse en particulier à mettre les personnes, les outils et la méthodologie en relation dans des processus de recherche co-créatifs fondés sur la pratique. En plus de ses activités de recherche et de conception, il donne des cours en bachelier et en master, des conférences, et organise des ateliers aux Pays-Bas comme à l’étranger.

S’appuyant sur les approches, les idées et les expériences d’une douzaine d’acteurs impliqués dans un projet d’aide structurelle et de renforcement des capacités des arts du spectacle, ce groupe de travail vise à explorer les questions en jeu pour le développement durable de notre secteur.

Qu’est-ce que la notion d’« entrepreneur culturel » implique ? Comment contribuer au développement d’une « culture professionnelle » dans le secteur des arts du spectacle ? Comment élaborer un modèle commercial durable sans compromettre les expérimentations et mettre à mal l’utilité de nos pratiques ? Quelles sont les conséquences de passer d’un système de gestion par activités à une approche organisationnelle ?

En pleine période de réductions budgétaires et de pression accrue pour jouer plus et mieux, comment nous assurer que nos pratiques artistiques sont responsables et durables d’un point de vue éthique ? Avec leur proposition de créer un label « Fair Practice » dans le domaine des arts, United We Stand veut tenter de répondre et d’appeler à la solidarité au sein du secteur.

Cette session rassemble artistes, conservateurs, équipes de production, institutions, commissionnaires, bailleurs de fonds, décideurs et biens d’autres autour de tables rondes pour débattre des « meilleures pratiques » issues des différentes disciplines du monde artistique et trouver comment des actions communes pourraient mener à des changements efficaces.

Comment conserver la diversité des arts et garantir des relations saines dans notre secteur ? Comment traitons-nous les travailleurs flexibles ? Comment garantir une rémunération et des droits sociaux à tous les artistes et professionnels des arts ? Comment les organisations (les petites et les grandes) font-elles face à la demande croissante de coresponsabilité et de solidarité face aux comédiens les plus vulnérables ? Comment garantir une juste répartition des ressources et l’accès aux infrastructures (culturelles) ? Comment, sur le long terme, assurer une juste répartition des revenus dans le secteur ? Avec quel genre d’accords ? Comment seraient-ils mis en place et exécutés ? Quels rôles les syndicats et les organisations de lobbying pourraient-ils jouer ? Et enfin: qu’est-ce qu’être juste quand les moyens disponibles sont insuffisants ?

Avec cette troisième édition de Fortress Europe, nous voulons trouver des idées concrètes d’actions à mener pour renforcer l’implication des organisations artistiques quant à la question des réfugiés en Europe et dans le monde.

L’arrivée et la présence de réfugiés en Europe reste un enjeu crucial. Les mesures prises par les organismes gouvernementaux nationaux et supranationaux sont dans l’ensemble inefficaces et souvent hostiles. Dans plusieurs villes d’Europe, des initiatives citoyennes tentent d’agir là où la classe dirigeante a échoué: faire preuve de solidarité et organiser l’intégration des réfugiés dans la société européenne. Les organisations artistiques (qui représentent une part importante de la société civile) jouent elles aussi un rôle essentiel dans cette démarche.

Edition 1: IETM Bergamo, avril 2015

Edition 2: IETM Budapest, novembre 2015

S’appuyant sur les approches, les idées et les expériences d’une douzaine d’acteurs impliqués dans un projet d’aide structurelle et de renforcement des capacités des arts du spectacle, ce groupe de travail vise à explorer les questions en jeu pour le développement durable de notre secteur.

Qu’est-ce que la notion d’« entrepreneur culturel » implique ? Comment contribuer au développement d’une « culture professionnelle » dans le secteur des arts du spectacle ? Comment élaborer un modèle commercial durable sans compromettre les expérimentations et mettre à mal l’utilité de nos pratiques ? Quelles sont les conséquences de passer d’un système de gestion par activités à une approche organisationnelle ?

En pleine période de réductions budgétaires et de pression accrue pour jouer plus et mieux, comment nous assurer que nos pratiques artistiques sont responsables et durables d’un point de vue éthique ? Avec leur proposition de créer un label « Fair Practice » dans le domaine des arts, United We Stand veut tenter de répondre et d’appeler à la solidarité au sein du secteur.

Cette session rassemble artistes, conservateurs, équipes de production, institutions, commissionnaires, bailleurs de fonds, décideurs et biens d’autres autour de tables rondes pour débattre des « meilleures pratiques » issues des différentes disciplines du monde artistique et trouver comment des actions communes pourraient mener à des changements efficaces.

Comment conserver la diversité des arts et garantir des relations saines dans notre secteur ? Comment traitons-nous les travailleurs flexibles ? Comment garantir une rémunération et des droits sociaux à tous les artistes et professionnels des arts ? Comment les organisations (les petites et les grandes) font-elles face à la demande croissante de coresponsabilité et de solidarité face aux comédiens les plus vulnérables ? Comment garantir une juste répartition des ressources et l’accès aux infrastructures (culturelles) ? Comment, sur le long terme, assurer une juste répartition des revenus dans le secteur ? Avec quel genre d’accords ? Comment seraient-ils mis en place et exécutés ? Quels rôles les syndicats et les organisations de lobbying pourraient-ils jouer ? Et enfin: qu’est-ce qu’être juste quand les moyens disponibles sont insuffisants ?

Avec cette troisième édition de Fortress Europe, nous voulons trouver des idées concrètes d’actions à mener pour renforcer l’implication des organisations artistiques quant à la question des réfugiés en Europe et dans le monde.

L’arrivée et la présence de réfugiés en Europe reste un enjeu crucial. Les mesures prises par les organismes gouvernementaux nationaux et supranationaux sont dans l’ensemble inefficaces et souvent hostiles. Dans plusieurs villes d’Europe, des initiatives citoyennes tentent d’agir là où la classe dirigeante a échoué: faire preuve de solidarité et organiser l’intégration des réfugiés dans la société européenne. Les organisations artistiques (qui représentent une part importante de la société civile) jouent elles aussi un rôle essentiel dans cette démarche.

Edition 1: IETM Bergamo, avril 2015

Edition 2: IETM Budapest, novembre 2015