L'Europe à la croisée des chemins

Désormais, nous sommes habitués à la complexité, aux contrastes et aux tensions. Cependant, la paix et l'intégration telles qu'elles primaient en Europe ces cinquante dernières années s'avèrent plus fragiles que nous le pensions. Dans ce contexte, la culture reflète l'état d'une société et lui imagine des avenirs éventuels. Certes, se trouver devant un carrefour n'a rien de nouveau. Toutefois, les carrefours d'aujourd'hui présentent des directions qui n'ont jamais été prises auparavant, les rendant donc encore plus difficiles à imaginer. Appelons ça une crise, au sens large du terme, qui incite à réfléchir ensemble à des moyens d'en sortir.

L'Europe à la croisée des chemins

Désormais, nous sommes habitués à la complexité, aux contrastes et aux tensions. Cependant, la paix et l'intégration telles qu'elles primaient en Europe ces cinquante dernières années s'avèrent plus fragiles que nous le pensions. Dans ce contexte, la culture reflète l'état d'une société et lui imagine des avenirs éventuels. Certes, se trouver devant un carrefour n'a rien de nouveau. Toutefois, les carrefours d'aujourd'hui présentent des directions qui n'ont jamais été prises auparavant, les rendant donc encore plus difficiles à imaginer. Appelons ça une crise, au sens large du terme, qui incite à réfléchir ensemble à des moyens d'en sortir.

Le monde dans lequel nous vivons et créons est tout sauf inerte. Mondialisation, crise économique, préoccupations environnementales, et événements politiques sans précédent s'accompagnent inévitablement d'impacts sur notre secteur. Alors que le secteur culturel peine à s'adapter à ces changements rapides, l'éducation et la formation en gestion culturelle font-elles assez de place à l'innovation ? Dans ce monde de plus en plus compétitif et imprévisible, comment faire en sorte que notre système éducatif nous prépare véritablement aux défis d'aujourd'hui et de demain ?

Cet atelier tourne autour de la communication publique, de la sensibilisation et de la promotion de la culture. Dans le monde d'aujourd'hui, ces trois disciplines sont stratégiquement liées les unes aux autres, puisque la communication sert non seulement à informer, à divertir et à éduquer, mais aussi à plaider en faveur du changement futur. Ce plaidoyer exige l'inclusion de la durabilité, qui n'est pas souvent garantie dans les réalités axées sur les projets. Au cours de cet atelier pratique, nous discuterons des approches contemporaines à adopter envers ces disciplines au travers de mini-conférences. Elles s'ensuivront de brèves tâches pratiques grâce auxquelles les participants pourront définir les objectifs, formuler des messages et créer des plans d'action pour leurs projets culturels. Cet atelier comportera également des exemples de communication animés et inspirants des quatre coins du monde.

Le monde dans lequel nous vivons et créons est tout sauf inerte. Mondialisation, crise économique, préoccupations environnementales, et événements politiques sans précédent s'accompagnent inévitablement d'impacts sur notre secteur. Alors que le secteur culturel peine à s'adapter à ces changements rapides, l'éducation et la formation en gestion culturelle font-elles assez de place à l'innovation ? Dans ce monde de plus en plus compétitif et imprévisible, comment faire en sorte que notre système éducatif nous prépare véritablement aux défis d'aujourd'hui et de demain ?

Cet atelier tourne autour de la communication publique, de la sensibilisation et de la promotion de la culture. Dans le monde d'aujourd'hui, ces trois disciplines sont stratégiquement liées les unes aux autres, puisque la communication sert non seulement à informer, à divertir et à éduquer, mais aussi à plaider en faveur du changement futur. Ce plaidoyer exige l'inclusion de la durabilité, qui n'est pas souvent garantie dans les réalités axées sur les projets. Au cours de cet atelier pratique, nous discuterons des approches contemporaines à adopter envers ces disciplines au travers de mini-conférences. Elles s'ensuivront de brèves tâches pratiques grâce auxquelles les participants pourront définir les objectifs, formuler des messages et créer des plans d'action pour leurs projets culturels. Cet atelier comportera également des exemples de communication animés et inspirants des quatre coins du monde.

Cette session nous permettra d'entrevoir le développement actuel de Poblats Marítims, un quartier plus communément appelé « Cabanyal ».

Son embourgeoisement assidu, qui contraste avec ses conditions de vie modestes et traditionnelles, conduit cette zone à un carrefour. Préservation de son identité ou modernisation excessive ? Expansion de la gentrification ou développement durable ? Les initiatives culturelles peuvent jouer un rôle considérable dans le façonnage de l'avenir.

À l'heure actuelle, le débat sur l'évaluation et la mesure de l'impact gagne de l'ampleur. La force de l'habitude nous conduit à penser que le plus important est d'obtenir les faveurs des bailleurs de fonds, qui s'intéressent de plus en plus aux indicateurs numériques et aux preuves concrètes. Cependant, aussi controversé que ce débat sur la « mesure de notre impact » semble, il ne faut pas oublier qu'une auto-évaluation approfondie et une amélioration de nos propres pratiques sont tout aussi essentielles.

Nos nouveaux outils sur les modèles d'auto-évaluation proposent des méthodes inédites permettant d'aller au-delà de ces données qui sont souvent demandées, mais qui sont rarement exactes. Vassilka Shishkova, l'auteur de cette nouvelle étude, fera part de ses idées quant à ce sujet et expliquera comment les participants peuvent contribuer à tester le modèle qui convient le mieux à leur situation.

La culture est censée nous unir. Cependant, elle souligne également les différences dans nos approches et nos croyances, dans nos désirs et nos peurs. Soit la culture et les arts nous unissent dans la perspective d'un avenir commun, soit ils nous déchirent à cause de ces (prétendues) différences. Beaucoup de mouvements politiques ont tendance à réduire le concept de culture et d'art à une arme qui pourrait servir leurs objectifs. Comment nous protéger de ces mouvements afin d'éviter qu'ils ne nous prennent en otage ? Est-il possible de nous éloigner des manipulations, surtout lorsque les chaînes officielles sont aux prises de la propagande ? Comment les artistes peuvent-ils contribuer à une culture qui efface les frontières mentales et physiques ? Comment les identités culturelles peuvent-elles jouer un rôle favorable pour créer des liens au niveau international plutôt que de nous laisser chacun dans notre coin ?

Cette session nous permettra d'entrevoir le développement actuel de Poblats Marítims, un quartier plus communément appelé « Cabanyal ».

Son embourgeoisement assidu, qui contraste avec ses conditions de vie modestes et traditionnelles, conduit cette zone à un carrefour. Préservation de son identité ou modernisation excessive ? Expansion de la gentrification ou développement durable ? Les initiatives culturelles peuvent jouer un rôle considérable dans le façonnage de l'avenir.

À l'heure actuelle, le débat sur l'évaluation et la mesure de l'impact gagne de l'ampleur. La force de l'habitude nous conduit à penser que le plus important est d'obtenir les faveurs des bailleurs de fonds, qui s'intéressent de plus en plus aux indicateurs numériques et aux preuves concrètes. Cependant, aussi controversé que ce débat sur la « mesure de notre impact » semble, il ne faut pas oublier qu'une auto-évaluation approfondie et une amélioration de nos propres pratiques sont tout aussi essentielles.

Nos nouveaux outils sur les modèles d'auto-évaluation proposent des méthodes inédites permettant d'aller au-delà de ces données qui sont souvent demandées, mais qui sont rarement exactes. Vassilka Shishkova, l'auteur de cette nouvelle étude, fera part de ses idées quant à ce sujet et expliquera comment les participants peuvent contribuer à tester le modèle qui convient le mieux à leur situation.

La culture est censée nous unir. Cependant, elle souligne également les différences dans nos approches et nos croyances, dans nos désirs et nos peurs. Soit la culture et les arts nous unissent dans la perspective d'un avenir commun, soit ils nous déchirent à cause de ces (prétendues) différences. Beaucoup de mouvements politiques ont tendance à réduire le concept de culture et d'art à une arme qui pourrait servir leurs objectifs. Comment nous protéger de ces mouvements afin d'éviter qu'ils ne nous prennent en otage ? Est-il possible de nous éloigner des manipulations, surtout lorsque les chaînes officielles sont aux prises de la propagande ? Comment les artistes peuvent-ils contribuer à une culture qui efface les frontières mentales et physiques ? Comment les identités culturelles peuvent-elles jouer un rôle favorable pour créer des liens au niveau international plutôt que de nous laisser chacun dans notre coin ?

Le théâtre musical et sonore contemporain est une discipline en plein essor. On peut remarquer une prolifération de projets transdisciplinaires, multimédia, d'opéra contemporains ou d'autres expérimentations musicales sur les scènes de théâtre de l'Europe et du monde entier.



La musique live joue régulièrement un jeu dans les spectacles de théâtre et de danse. Les réunions, concours et autres résidences autour de ce genre sont en augmentation. Mais, où se situe la différence avec d'autres projets d'art vivant?



Cette session va essayer de se concentrer sur toutes ces questions parmi d'autres. Dans une première partie avec des artistes locaux très intéressants et engagés qui présenteront leur travail. Et dans une seconde partie avec une discussion et un bref exposé sur la situation de ce genre en Espagne et l'influence de grands artistes comme Carles Santos. Enfin, la session ouvrira le groupe aux questions et annonces, etc.



Cette session est un événement régulier de l'IETM, il est destiné aux producteurs, présentateurs et artistes qui sont intéressés à partager des informations pratiques, en présentant leurs projets passés et futurs, en partageant des informations sur les ressources, de nouvelles œuvres, des lieux, des festivals, des opportunités, etc. et se tenir au courant des derniers développements dans le théâtre musical et sonore. Nous sommes particulièrement ouverts à tout artistes désireux de parler de ses pratiques et approches dans la création du théâtre musical.

Le théâtre musical et sonore contemporain est une discipline en plein essor. On peut remarquer une prolifération de projets transdisciplinaires, multimédia, d'opéra contemporains ou d'autres expérimentations musicales sur les scènes de théâtre de l'Europe et du monde entier.



La musique live joue régulièrement un jeu dans les spectacles de théâtre et de danse. Les réunions, concours et autres résidences autour de ce genre sont en augmentation. Mais, où se situe la différence avec d'autres projets d'art vivant?



Cette session va essayer de se concentrer sur toutes ces questions parmi d'autres. Dans une première partie avec des artistes locaux très intéressants et engagés qui présenteront leur travail. Et dans une seconde partie avec une discussion et un bref exposé sur la situation de ce genre en Espagne et l'influence de grands artistes comme Carles Santos. Enfin, la session ouvrira le groupe aux questions et annonces, etc.



Cette session est un événement régulier de l'IETM, il est destiné aux producteurs, présentateurs et artistes qui sont intéressés à partager des informations pratiques, en présentant leurs projets passés et futurs, en partageant des informations sur les ressources, de nouvelles œuvres, des lieux, des festivals, des opportunités, etc. et se tenir au courant des derniers développements dans le théâtre musical et sonore. Nous sommes particulièrement ouverts à tout artistes désireux de parler de ses pratiques et approches dans la création du théâtre musical.

Le marketing urbain est inimaginable sans la culture et les arts. Toutefois, une étude plus attentive révèle un intérêt particulier pour les festivals et les événements ponctuels plutôt que pour les programmes artistiques en continu. Ce phénomène est compréhensible en termes de recouvrement des frais, mais les festivals pourraient être considérés comme des pôles qui monopolisent à la fois le public et le soutien financier. Entre-temps, les professionnels du monde des arts luttent pour atteindre une stabilité en matière de production et de subsistance tout en nouant des relations avec des programmeurs, des producteurs, des publics, et des territoires. Cette session de travail se penchera notamment sur la façon dont nous pouvons préserver un écosystème équilibré pour les arts de la scène.

Face aux crises écologiques qui frappent inlassablement à nos portes, nous devons, en tant qu'artistes et citoyens, promouvoir et suivre un mode de vie durable tout en raisonnant plus que jamais. Alors que la rhétorique des écologistes se banalise pour certains, nous devrions consacrer toute notre énergie à conscientiser nos sociétés en rappelant que l'écologie doit être perçue comme un tableau d'ensemble composé de systèmes de production et de consommation, de structures sociales, de migration et de géopolitique, etc.

Invitation au cocktail « Creative Climate Leadership »

Retrouvez-nous avec Julie's Bicycle autour d'un verre pour le lancement du projet Creative Climate Leadership. Nous vous attendons dans la cour de Las Naves à 17h15, juste après la session.

Tous les artistes, les établissements et les compagnies cherchent à attirer un public. Cependant, les méthodologies à l'appui sont nombreuses et variées. Alors que « l'élargissement des publics » est une méthode couramment utilisée pour gonfler le nombre de spectateurs, les techniques de « médiation culturelle » ou « d'éducation » du public visent à enrichir la compréhension. Les spectateurs ne sont plus considérés comme de simples postérieurs assis sur un siège, mais comme des citoyens avec qui nous pouvons construire une relation intense qui influera sur notre contexte quotidien. Puisqu'elle s'inscrit comme une pratique de plus en plus régulière, la médiation culturelle peut rendre les projets artistiques plus accessibles et plus contextualisés au fur et à mesure que leur écho s'amplifie. Néanmoins, les pratiques et les moyens sont tout aussi nombreux que les définitions et les résultats de la « médiation culturelle ». Nous vous proposons d'analyser ensemble ce lien entre artiste et spectateur.

Les expériences artistiques de réalité augmentée basée sur les nouvelles technologies font désormais partie de notre quotidien. L'industrie du film et des jeux vidéos travaillent déjà depuis longtemps sur la création de "stupéfiantes illusions parfaites", qui intègrent le réel et le virtuel dans une expérience distincte. Mais comment tout cela se rapporte au théâtre, qui est lui-même une des formes les plus anciennes de réalité augmentée ? Rejoignez-nous dans cette session virtuelle pour discuter avec l'expert Joris Weijdom à propos d'expériences de réalité augmentée - peut-être moins éclatantes mais plus complexes - d'un point de vue artistique, narratif et philosophique. La discussion nous aidera à préparer une des prochaines publications de l'IETM, sur "La réalité argumentée et le théâtre du futur". Vous pouvez déjà partager vos expériences avant de participer à la session !

Le marketing urbain est inimaginable sans la culture et les arts. Toutefois, une étude plus attentive révèle un intérêt particulier pour les festivals et les événements ponctuels plutôt que pour les programmes artistiques en continu. Ce phénomène est compréhensible en termes de recouvrement des frais, mais les festivals pourraient être considérés comme des pôles qui monopolisent à la fois le public et le soutien financier. Entre-temps, les professionnels du monde des arts luttent pour atteindre une stabilité en matière de production et de subsistance tout en nouant des relations avec des programmeurs, des producteurs, des publics, et des territoires. Cette session de travail se penchera notamment sur la façon dont nous pouvons préserver un écosystème équilibré pour les arts de la scène.

Face aux crises écologiques qui frappent inlassablement à nos portes, nous devons, en tant qu'artistes et citoyens, promouvoir et suivre un mode de vie durable tout en raisonnant plus que jamais. Alors que la rhétorique des écologistes se banalise pour certains, nous devrions consacrer toute notre énergie à conscientiser nos sociétés en rappelant que l'écologie doit être perçue comme un tableau d'ensemble composé de systèmes de production et de consommation, de structures sociales, de migration et de géopolitique, etc.

Invitation au cocktail « Creative Climate Leadership »

Retrouvez-nous avec Julie's Bicycle autour d'un verre pour le lancement du projet Creative Climate Leadership. Nous vous attendons dans la cour de Las Naves à 17h15, juste après la session.

Tous les artistes, les établissements et les compagnies cherchent à attirer un public. Cependant, les méthodologies à l'appui sont nombreuses et variées. Alors que « l'élargissement des publics » est une méthode couramment utilisée pour gonfler le nombre de spectateurs, les techniques de « médiation culturelle » ou « d'éducation » du public visent à enrichir la compréhension. Les spectateurs ne sont plus considérés comme de simples postérieurs assis sur un siège, mais comme des citoyens avec qui nous pouvons construire une relation intense qui influera sur notre contexte quotidien. Puisqu'elle s'inscrit comme une pratique de plus en plus régulière, la médiation culturelle peut rendre les projets artistiques plus accessibles et plus contextualisés au fur et à mesure que leur écho s'amplifie. Néanmoins, les pratiques et les moyens sont tout aussi nombreux que les définitions et les résultats de la « médiation culturelle ». Nous vous proposons d'analyser ensemble ce lien entre artiste et spectateur.

Les expériences artistiques de réalité augmentée basée sur les nouvelles technologies font désormais partie de notre quotidien. L'industrie du film et des jeux vidéos travaillent déjà depuis longtemps sur la création de "stupéfiantes illusions parfaites", qui intègrent le réel et le virtuel dans une expérience distincte. Mais comment tout cela se rapporte au théâtre, qui est lui-même une des formes les plus anciennes de réalité augmentée ? Rejoignez-nous dans cette session virtuelle pour discuter avec l'expert Joris Weijdom à propos d'expériences de réalité augmentée - peut-être moins éclatantes mais plus complexes - d'un point de vue artistique, narratif et philosophique. La discussion nous aidera à préparer une des prochaines publications de l'IETM, sur "La réalité argumentée et le théâtre du futur". Vous pouvez déjà partager vos expériences avant de participer à la session !

Le droit des artistes à la liberté d'expression est bafoué dans le monde entier - par les États, les mouvements religieux, les médias, les entreprises, les familles, et par les artistes eux-mêmes. La censure revêt de nombreuses formes qui vont de sanctions extrêmement brutales à des contraintes dissimulées. L'auto-censure s'invite par peur de perdre un soutien financier, ou dans un effort de trouver un équilibre entre respect et provocation des sensibilités politiques, sociales et religieuses.

Théâtre de la présentation de la boîte à outils pour la liberté d'expression artistique proposée par l'ARJ (un groupe de travail européen dédié aux arts, aux droits et à la justice), cette session vous prodiguera des conseils permettant de déjouer les embûches à l'heure de protéger, de défendre ou d'affirmer votre liberté d'expression et celle des autres.

Les arts ont trait à tout ce qui existe, et tout ce qui n'existe pas. Ils peuvent avoir un effet sur n'importe quel aspect de la vie, ou laisser ce dernier les influencer : aide sociale, science, médecine, technologie, sport, etc. Tandis que leur « impact général » sur les autres secteurs est constamment analysé, comment les arts et la culture peuvent-ils apporter leur contribution à d'autres domaines tout en s'inspirant d'eux ? Quels compromis (s'il y en a) cela implique-t-il pour les arts ? Cette session sera l'occasion de présenter quelques exemples de projets où les arts s'entremêlent avec d'autres sphères, et d'entamer un débat sur les risques potentiels et les avantages de l'approche « transversale » des arts et de la culture.

Malheureusement, l'égalité des sexes demeure un thème d'actualité. Tandis que de bons exemples se multiplient dans certaines régions du monde, nous avons l'impression qu'ils restent encore trop isolés. Les femmes représentent une grande majorité de la main-d'œuvre dans le secteur des arts, cependant elles ne sont qu'une minorité à occuper des postes haut placés que ce soit sur scène ou dans les coulisses. Qu'en est-il de l'égalité des sexes au-delà de la dichotomie entre hommes et femmes ? Parlons d'opportunités justes et équitables ! 

Poursuivez votre exploration du secteur artistique dans le pays dans lequel vous vous trouvez aujourd'hui, et abreuvez-vous d'idées nouvelles sur l'essence de la curation contemporaine et du rôle du curateur. Deux présentateurs espagnols renommés, un programmateur/directeur d'établissement et l'autre de festival, vous donneront quelques indications sur la tendance en Espagne. Ils dévoileront leurs méthodes de travail, partageront leurs impressions sur l'impact (voulu) des curateurs, et ouvriront un débat avec le public.

La réunion de l’IETM à Amsterdam a réuni des organisations et des individus aussi indépendants qu'engagés qui militent pour de meilleures conditions sociales et de financement pour le secteur du théâtre indépendant au niveau national et européen. L'objectif était de mettre en place une plate-forme d'action au niveau européen.

Cette deuxième session est ouverte aux nouveaux participants et s'intéresse aux récentes évolutions des politiques culturelles et aux défis actuels auxquels les artistes sont confrontés dans le milieu du théâtre indépendant. Nous sommes désireux de connaître votre point de vue quant aux problèmes majeurs auxquels le secteur doit faire face dans votre pays et d'en savoir plus sur le développement de ses politiques culturelles principales.

Le droit des artistes à la liberté d'expression est bafoué dans le monde entier - par les États, les mouvements religieux, les médias, les entreprises, les familles, et par les artistes eux-mêmes. La censure revêt de nombreuses formes qui vont de sanctions extrêmement brutales à des contraintes dissimulées. L'auto-censure s'invite par peur de perdre un soutien financier, ou dans un effort de trouver un équilibre entre respect et provocation des sensibilités politiques, sociales et religieuses.

Théâtre de la présentation de la boîte à outils pour la liberté d'expression artistique proposée par l'ARJ (un groupe de travail européen dédié aux arts, aux droits et à la justice), cette session vous prodiguera des conseils permettant de déjouer les embûches à l'heure de protéger, de défendre ou d'affirmer votre liberté d'expression et celle des autres.

Les arts ont trait à tout ce qui existe, et tout ce qui n'existe pas. Ils peuvent avoir un effet sur n'importe quel aspect de la vie, ou laisser ce dernier les influencer : aide sociale, science, médecine, technologie, sport, etc. Tandis que leur « impact général » sur les autres secteurs est constamment analysé, comment les arts et la culture peuvent-ils apporter leur contribution à d'autres domaines tout en s'inspirant d'eux ? Quels compromis (s'il y en a) cela implique-t-il pour les arts ? Cette session sera l'occasion de présenter quelques exemples de projets où les arts s'entremêlent avec d'autres sphères, et d'entamer un débat sur les risques potentiels et les avantages de l'approche « transversale » des arts et de la culture.

Malheureusement, l'égalité des sexes demeure un thème d'actualité. Tandis que de bons exemples se multiplient dans certaines régions du monde, nous avons l'impression qu'ils restent encore trop isolés. Les femmes représentent une grande majorité de la main-d'œuvre dans le secteur des arts, cependant elles ne sont qu'une minorité à occuper des postes haut placés que ce soit sur scène ou dans les coulisses. Qu'en est-il de l'égalité des sexes au-delà de la dichotomie entre hommes et femmes ? Parlons d'opportunités justes et équitables ! 

Poursuivez votre exploration du secteur artistique dans le pays dans lequel vous vous trouvez aujourd'hui, et abreuvez-vous d'idées nouvelles sur l'essence de la curation contemporaine et du rôle du curateur. Deux présentateurs espagnols renommés, un programmateur/directeur d'établissement et l'autre de festival, vous donneront quelques indications sur la tendance en Espagne. Ils dévoileront leurs méthodes de travail, partageront leurs impressions sur l'impact (voulu) des curateurs, et ouvriront un débat avec le public.

La réunion de l’IETM à Amsterdam a réuni des organisations et des individus aussi indépendants qu'engagés qui militent pour de meilleures conditions sociales et de financement pour le secteur du théâtre indépendant au niveau national et européen. L'objectif était de mettre en place une plate-forme d'action au niveau européen.

Cette deuxième session est ouverte aux nouveaux participants et s'intéresse aux récentes évolutions des politiques culturelles et aux défis actuels auxquels les artistes sont confrontés dans le milieu du théâtre indépendant. Nous sommes désireux de connaître votre point de vue quant aux problèmes majeurs auxquels le secteur doit faire face dans votre pays et d'en savoir plus sur le développement de ses politiques culturelles principales.

Si les arts du spectacle reflètent la société, alors à quel endroit le handicap est-il représenté? Ne réduisions pas le discours sur le handicap à une liste de problèmes d'accessibilité mais développons plutôt un discours sur le œuvre construites autour du handicap au-delà de la notion d’accès : parlons plutôt d'des opportunités et de nouvelles esthétiques que représ différence!

À travers l'Europe, le secteur des arts se plaint des restrictions budgétaires et du manque de financement public. Toutefois, certains débats vont plus loin. Du côté pile se trouvent ceux qui proposent de supprimer tout financement public pour les arts en échange d'une bourse de base universelle pour chaque citoyen. Cette dernière permettrait peut-être de soulager les artistes du poids des collectes de fonds et de la comptabilité, mais pousserait-elle l'artiste vers l'excellence et lui permettrait-elle vraiment de gagner sans vie sans faire de compromis ?

Du côté face se trouvent ceux qui promeuvent « la créativité au quotidien ». Ils sont convaincus que les arts devraient être aussi accessibles que le sport, et affirment que les subventions (ou du moins une partie) devraient être attribuées aux non-professionnels. Mais si tout le monde peut jouer au football, cela ne veut pas dire que tout le monde peut devenir Cristiano Ronaldo, n'est-ce pas ? Qu'est-ce qui fait d'un artiste un artiste ? Quels sont les arguments allant dans le sens d'une rémunération des artistes comme maîtres dans leur domaine spécifique ?

Le monde est de plus en plus polarisé, tout comme le secteur des arts du spectacle. En termes concrets, beaucoup de pays maintiennent un écart visible entre festivals institutionnalisés, grands établissements, compagnies nationales qui attirent un large public, et leurs homologues de moindre taille, plus marginalisés, qui se battent pour exister. Comment la « classe moyenne » peut-elle se régénérer dans le système actuel des arts du spectacle ? Devrions-nous aspirer à mieux collaborer et à inviter l'expérimentation dans nos institutions ? Ou devrions-nous ouvrir de nouvelles portes aux jeunes créateurs talentueux et aux travailleurs culturels forcés à trouver refuge dans les institutions ?

Cette séance se déroulera en espagnol avec traduction simultanée en anglais.

Si les arts du spectacle reflètent la société, alors à quel endroit le handicap est-il représenté? Ne réduisions pas le discours sur le handicap à une liste de problèmes d'accessibilité mais développons plutôt un discours sur le œuvre construites autour du handicap au-delà de la notion d’accès : parlons plutôt d'des opportunités et de nouvelles esthétiques que représ différence!

À travers l'Europe, le secteur des arts se plaint des restrictions budgétaires et du manque de financement public. Toutefois, certains débats vont plus loin. Du côté pile se trouvent ceux qui proposent de supprimer tout financement public pour les arts en échange d'une bourse de base universelle pour chaque citoyen. Cette dernière permettrait peut-être de soulager les artistes du poids des collectes de fonds et de la comptabilité, mais pousserait-elle l'artiste vers l'excellence et lui permettrait-elle vraiment de gagner sans vie sans faire de compromis ?

Du côté face se trouvent ceux qui promeuvent « la créativité au quotidien ». Ils sont convaincus que les arts devraient être aussi accessibles que le sport, et affirment que les subventions (ou du moins une partie) devraient être attribuées aux non-professionnels. Mais si tout le monde peut jouer au football, cela ne veut pas dire que tout le monde peut devenir Cristiano Ronaldo, n'est-ce pas ? Qu'est-ce qui fait d'un artiste un artiste ? Quels sont les arguments allant dans le sens d'une rémunération des artistes comme maîtres dans leur domaine spécifique ?

Le monde est de plus en plus polarisé, tout comme le secteur des arts du spectacle. En termes concrets, beaucoup de pays maintiennent un écart visible entre festivals institutionnalisés, grands établissements, compagnies nationales qui attirent un large public, et leurs homologues de moindre taille, plus marginalisés, qui se battent pour exister. Comment la « classe moyenne » peut-elle se régénérer dans le système actuel des arts du spectacle ? Devrions-nous aspirer à mieux collaborer et à inviter l'expérimentation dans nos institutions ? Ou devrions-nous ouvrir de nouvelles portes aux jeunes créateurs talentueux et aux travailleurs culturels forcés à trouver refuge dans les institutions ?

Cette séance se déroulera en espagnol avec traduction simultanée en anglais.

Coproduction internationale : un effet de la mondialisation, une conséquence des réductions budgétaires, ou une volonté naturelle de travailler ensemble et de bâtir des ponts culturels ? Quel est l'impact de la collaboration entre des producteurs issus de milieux différents sur le contenu et l'esthétique des arts du spectacle ? Sommes-nous en train d'uniformiser les arts du spectacle en créant de l'universalité ? Demandons-nous aux artistes de s'adapter au contexte de chacun des cofinanciers ou peuvent-ils conserver leur propre langage artistique ? Pouvons-nous réfléchir à l'esthétique sans prendre en compte l'origine (pays/religion/culture) de l'artiste ?

Comment nous le savons tous, l'histoire est écrite par les gagnants. Mais qui écrit les histoires que nous présentons sur scène aujourd'hui ? Ou pour être plus précis : qui fait entendre sa voix ? Aujourd'hui, tous les artistes n'ont pas accès au théâtre, et donc à ce qui est dit sur scène. Le droit de tout individu ou communauté à accéder et à participer à la vie culturelle est-il garanti dans notre sphère d'influence ? À qui voulons-nous laisser le soin de choisir ce qui sera mis en scène et par qui : le programmateur, le public, le dramaturge, le producteur, la compagnie ou encore son directeur ?

Ces dernières décennies ont été les témoins de l'émergence de nombreux formats dans le secteur des arts du spectacle. Par conséquent, les processus de création et de présentation se sont élargis. Ils englobent désormais les récitations, les répétitions ouvertes, les productions en cours, les expositions de recherche continue, les spectacles in situ, le théâtre documentaire, la retransmission en direct, etc. Ces nouveaux formats s'intéressent au processus de création plutôt qu'au spectacle perçu comme un « produit fini », ainsi qu'à la participation du public et des partenaires plutôt qu'à l'acte concret de délivrance. La plupart des spectateurs et des bailleurs de fonds sont fortement attachés à la mise en scène traditionnelle dans un espace clos et obscur. Le temps est venu de les encourager à valoriser de nouveaux formats qui montrent que l'essence de notre travail repose sur le processus de création. Les nouveaux médias peuvent-ils nous y aider ?

L'économie globale est en plein remaniement – mais manque cruellement de transparence. La frontière entre public et privé tremble, tout comme l'équilibre entre régions, pays et classes. Ce n'est pas que l'économie qui est en jeu, mais aussi l'environnement, la participation démocratique, la sécurité alimentaire, les normes d'emploi, et la propriété intellectuelle. « L'exception culturelle » qui exclut les biens culturels de cet accord commercial est vivement débattue. Toutefois, pouvons-nous croire qu'elle suffira à préserver la diversité culturelle ? Appliquons-nous la politique de l'autruche en ce qui concerne les éventuels risques liés aux subventions artistiques, les questions portant sur la propriété intellectuelle, les normes de sécurité, ou encore la logique du marché qui pourrait nuire davantage à notre secteur ? Découvrez l'avis documenté d'un expert et partagez vos opinions sur ce sujet.

Coproduction internationale : un effet de la mondialisation, une conséquence des réductions budgétaires, ou une volonté naturelle de travailler ensemble et de bâtir des ponts culturels ? Quel est l'impact de la collaboration entre des producteurs issus de milieux différents sur le contenu et l'esthétique des arts du spectacle ? Sommes-nous en train d'uniformiser les arts du spectacle en créant de l'universalité ? Demandons-nous aux artistes de s'adapter au contexte de chacun des cofinanciers ou peuvent-ils conserver leur propre langage artistique ? Pouvons-nous réfléchir à l'esthétique sans prendre en compte l'origine (pays/religion/culture) de l'artiste ?

Comment nous le savons tous, l'histoire est écrite par les gagnants. Mais qui écrit les histoires que nous présentons sur scène aujourd'hui ? Ou pour être plus précis : qui fait entendre sa voix ? Aujourd'hui, tous les artistes n'ont pas accès au théâtre, et donc à ce qui est dit sur scène. Le droit de tout individu ou communauté à accéder et à participer à la vie culturelle est-il garanti dans notre sphère d'influence ? À qui voulons-nous laisser le soin de choisir ce qui sera mis en scène et par qui : le programmateur, le public, le dramaturge, le producteur, la compagnie ou encore son directeur ?

Ces dernières décennies ont été les témoins de l'émergence de nombreux formats dans le secteur des arts du spectacle. Par conséquent, les processus de création et de présentation se sont élargis. Ils englobent désormais les récitations, les répétitions ouvertes, les productions en cours, les expositions de recherche continue, les spectacles in situ, le théâtre documentaire, la retransmission en direct, etc. Ces nouveaux formats s'intéressent au processus de création plutôt qu'au spectacle perçu comme un « produit fini », ainsi qu'à la participation du public et des partenaires plutôt qu'à l'acte concret de délivrance. La plupart des spectateurs et des bailleurs de fonds sont fortement attachés à la mise en scène traditionnelle dans un espace clos et obscur. Le temps est venu de les encourager à valoriser de nouveaux formats qui montrent que l'essence de notre travail repose sur le processus de création. Les nouveaux médias peuvent-ils nous y aider ?

L'économie globale est en plein remaniement – mais manque cruellement de transparence. La frontière entre public et privé tremble, tout comme l'équilibre entre régions, pays et classes. Ce n'est pas que l'économie qui est en jeu, mais aussi l'environnement, la participation démocratique, la sécurité alimentaire, les normes d'emploi, et la propriété intellectuelle. « L'exception culturelle » qui exclut les biens culturels de cet accord commercial est vivement débattue. Toutefois, pouvons-nous croire qu'elle suffira à préserver la diversité culturelle ? Appliquons-nous la politique de l'autruche en ce qui concerne les éventuels risques liés aux subventions artistiques, les questions portant sur la propriété intellectuelle, les normes de sécurité, ou encore la logique du marché qui pourrait nuire davantage à notre secteur ? Découvrez l'avis documenté d'un expert et partagez vos opinions sur ce sujet.

Un bref aperçu des discussions et des points de vue les plus frappants que nous avons recueillis sur les routes du programme.

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