Depuis 2010, cette session est devenue notre événement incontournable. Elle offre aux délégués de nos plénières un bon aperçu du monde du théâtre musical et des arts sonores en Europe, en mettant plus particulièrement l’accent sur la scène locale de la ville hôte en question.

Ce groupe de travail est un espace qui permet à nos membres et aux participants non membres présentant et/ou produisant du théâtre sonore et musical de partager des informations sur les ressources, les nouvelles œuvres, les lieux et festivals, les opportunités et plus encore. Nous sommes particulièrement attentifs aux pratiques des artistes locaux et à leur démarche dans le cadre de la création de leurs œuvres.

Cette session, qui se tiendra à Munich, offrira un cadre théorique ainsi que de nombreux exemples pratiques et sera l’occasion de présenter la scène de théâtre musical de Munich et d’ailleurs.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Ce nouveau groupe IETM émane des sessions tenues à Bruxelles, au Caire, à Porto et à Llandudno (Pays de Galles). Les membres, basés dans les villes et à la campagne, ont présenté leurs projets d'art contemporain liés aux grandes transitions qui ont lieu dans les campagnes en Europe et ailleurs. Ils nous ont expliqué que la culture rurale peut être un point de départ pour de nouvelles formes de danse et que des artistes travaillent avec des histoires locales qu’ils développent à un niveau international. Nous avons parlé des difficultés liées au financement des arts dans les régions rurales et de la nécessité de relier les publics ruraux et urbains.    

Le groupe :

• dédiera un espace aux participants pour partager leurs questions les plus urgentes et réfléchir à comment contribuer au développement d’un réseau de défense des intérêts des artistes travaillant avec les communautés rurales.
• permettra un échange et une recherche approfondie sur les méthodes de travail dans les zones rurales ainsi que sur la place et la responsabilité des artistes travaillant avec les communautés rurales.
• discutera de l'intérêt croissant des élus populistes pour la culture rurale, le folklore, le patrimoine culturel, et de ce que cela signifie pour notre profession. Nous nous pencherons également sur l'écart qui existe entre les programmes de développement rural, les besoins des artistes travaillant dans les zones rurales et tenterons de présenter des arguments solides en faveur de notre travail.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Depuis 2010, cette session est devenue notre événement incontournable. Elle offre aux délégués de nos plénières un bon aperçu du monde du théâtre musical et des arts sonores en Europe, en mettant plus particulièrement l’accent sur la scène locale de la ville hôte en question.

Ce groupe de travail est un espace qui permet à nos membres et aux participants non membres présentant et/ou produisant du théâtre sonore et musical de partager des informations sur les ressources, les nouvelles œuvres, les lieux et festivals, les opportunités et plus encore. Nous sommes particulièrement attentifs aux pratiques des artistes locaux et à leur démarche dans le cadre de la création de leurs œuvres.

Cette session, qui se tiendra à Munich, offrira un cadre théorique ainsi que de nombreux exemples pratiques et sera l’occasion de présenter la scène de théâtre musical de Munich et d’ailleurs.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Ce nouveau groupe IETM émane des sessions tenues à Bruxelles, au Caire, à Porto et à Llandudno (Pays de Galles). Les membres, basés dans les villes et à la campagne, ont présenté leurs projets d'art contemporain liés aux grandes transitions qui ont lieu dans les campagnes en Europe et ailleurs. Ils nous ont expliqué que la culture rurale peut être un point de départ pour de nouvelles formes de danse et que des artistes travaillent avec des histoires locales qu’ils développent à un niveau international. Nous avons parlé des difficultés liées au financement des arts dans les régions rurales et de la nécessité de relier les publics ruraux et urbains.    

Le groupe :

• dédiera un espace aux participants pour partager leurs questions les plus urgentes et réfléchir à comment contribuer au développement d’un réseau de défense des intérêts des artistes travaillant avec les communautés rurales.
• permettra un échange et une recherche approfondie sur les méthodes de travail dans les zones rurales ainsi que sur la place et la responsabilité des artistes travaillant avec les communautés rurales.
• discutera de l'intérêt croissant des élus populistes pour la culture rurale, le folklore, le patrimoine culturel, et de ce que cela signifie pour notre profession. Nous nous pencherons également sur l'écart qui existe entre les programmes de développement rural, les besoins des artistes travaillant dans les zones rurales et tenterons de présenter des arguments solides en faveur de notre travail.

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Dans leur discours d'ouverture, l'auteur autrichien Robert Menasse (La Capitale, 2017) et Ulrike Guérot, directrice du Département de la politique européenne et d'étude de la démocratie à l'Université de Danube Krems, rêvent d'une Europe unie, dépourvue de frontières nationales. Mais cette Europe implique une réelle participation citoyenne et une égalité des citoyens européens, basées sur le principe de la citoyenneté, avec la redistribution du pouvoir décentralisé aux centres régionaux plus petits. Personne n’est mieux placé que le fer de lance de l'art contemporain, les arts de la scène, pour défendre des idées aussi audacieuses  ! Mais ce fer de lance est-il vraiment si tranchant ? Pointe-t-il au moins dans la bonne direction, en combinant toutes les forces ? L'Europe peut-elle être sauvée en jouant la comédie ou est-ce que tout cela n'est qu'un simulacre et un jeu, avec le monde pour scène ?

Surtitrage en direct en anglais.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Dans leur discours d'ouverture, l'auteur autrichien Robert Menasse (La Capitale, 2017) et Ulrike Guérot, directrice du Département de la politique européenne et d'étude de la démocratie à l'Université de Danube Krems, rêvent d'une Europe unie, dépourvue de frontières nationales. Mais cette Europe implique une réelle participation citoyenne et une égalité des citoyens européens, basées sur le principe de la citoyenneté, avec la redistribution du pouvoir décentralisé aux centres régionaux plus petits. Personne n’est mieux placé que le fer de lance de l'art contemporain, les arts de la scène, pour défendre des idées aussi audacieuses  ! Mais ce fer de lance est-il vraiment si tranchant ? Pointe-t-il au moins dans la bonne direction, en combinant toutes les forces ? L'Europe peut-elle être sauvée en jouant la comédie ou est-ce que tout cela n'est qu'un simulacre et un jeu, avec le monde pour scène ?

Surtitrage en direct en anglais.

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Nous partons d'une idée artistique basée sur une référence sociopolitique forte, trouvons un partenaire avec des intérêts et des vues similaires, puis développons un concept ensemble. Cependant, la coopération transnationale, au-delà des frontières, implique souvent des difficultés pour trouver un terrain d'entente. Quelle est notre motivation pour travailler dans un contexte d’échange qui va au-delà de la curiosité et de la solidarité ? Comment un concept commun change-t-il en cours de route ? Quelles nouvelles impulsions les références locales changeantes introduisent-elles dans le travail collaboratif ? Quels moyens esthétiques les artistes élaborent-ils ensemble pour répondre à des questions telles que les restrictions croissantes sur le travail artistique dans leur pays respectif ? Ce seront quelques-unes des questions qui seront discutées lors de tables rondes avec des artistes qui ont récemment acquis de l'expérience dans le monde international du travail.

Organisé par le Centre allemand de l'ITI en coopération avec Politik im Freien Theater et IETM.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Nous partons d'une idée artistique basée sur une référence sociopolitique forte, trouvons un partenaire avec des intérêts et des vues similaires, puis développons un concept ensemble. Cependant, la coopération transnationale, au-delà des frontières, implique souvent des difficultés pour trouver un terrain d'entente. Quelle est notre motivation pour travailler dans un contexte d’échange qui va au-delà de la curiosité et de la solidarité ? Comment un concept commun change-t-il en cours de route ? Quelles nouvelles impulsions les références locales changeantes introduisent-elles dans le travail collaboratif ? Quels moyens esthétiques les artistes élaborent-ils ensemble pour répondre à des questions telles que les restrictions croissantes sur le travail artistique dans leur pays respectif ? Ce seront quelques-unes des questions qui seront discutées lors de tables rondes avec des artistes qui ont récemment acquis de l'expérience dans le monde international du travail.

Organisé par le Centre allemand de l'ITI en coopération avec Politik im Freien Theater et IETM.

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Dans le monde des arts, le pitching est souvent associé à la surenchère, à l'exubérance, à l'autopromotion, et parfois même au désagrément. Et en effet, il pourrait y avoir de bonnes raisons de craindre de mettre les pieds dans le plat. Si votre environnement est hostile à l'autopromotion des artistes, la seule façon d'aller de l'avant serait-elle de  vous adapter et de vous abstenir d’y recourir ? Mais que se passe-t-il si l'environnement s'adapte lui aussi ? Si les codes de conduite s'affaiblissent ? Si des théâtres, des musées, des galeries, des cinémas, des festivals et d'autres lieux de diffusion connaissent une diminution de l'audience et de l'attention ? Nous vivons dans une époque de changements rapides, et la numérisation est l'un des facteurs qui l'animent. Comment pouvons-nous faire en sorte de ne pas perdre l'attention dont nous avons tant besoin pour que nos pratiques aient un sens et existent ?

Alors, si vous pensez que vous n'êtes pas capable de pitcher, on apprend à tout âge. Si vous pensez que vous n'aimez pas pitcher, faites un essai. Très souvent, vous n'aurez  même pas besoin de faire un pitch. Pourtant, en trouvant votre propre formule, votre style et votre ton, vous pourriez y arriver. Cette technique vous placera dans une position forte, une position de choix.

Vous voulez participer à la formation ?

Postuler maintenant

Date limite pour postuler : 28 Octobre

La participation à cette formation se fait uniquement sur demande et les membres de l'IETM sont prioritaires.

Notez que la formation est répartie sur 2 sessions le vendredi et le samedi. Il est préférable d'assister aux deux sessions.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Dans le monde des arts, le pitching est souvent associé à la surenchère, à l'exubérance, à l'autopromotion, et parfois même au désagrément. Et en effet, il pourrait y avoir de bonnes raisons de craindre de mettre les pieds dans le plat. Si votre environnement est hostile à l'autopromotion des artistes, la seule façon d'aller de l'avant serait-elle de  vous adapter et de vous abstenir d’y recourir ? Mais que se passe-t-il si l'environnement s'adapte lui aussi ? Si les codes de conduite s'affaiblissent ? Si des théâtres, des musées, des galeries, des cinémas, des festivals et d'autres lieux de diffusion connaissent une diminution de l'audience et de l'attention ? Nous vivons dans une époque de changements rapides, et la numérisation est l'un des facteurs qui l'animent. Comment pouvons-nous faire en sorte de ne pas perdre l'attention dont nous avons tant besoin pour que nos pratiques aient un sens et existent ?

Alors, si vous pensez que vous n'êtes pas capable de pitcher, on apprend à tout âge. Si vous pensez que vous n'aimez pas pitcher, faites un essai. Très souvent, vous n'aurez  même pas besoin de faire un pitch. Pourtant, en trouvant votre propre formule, votre style et votre ton, vous pourriez y arriver. Cette technique vous placera dans une position forte, une position de choix.

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La participation à cette formation se fait uniquement sur demande et les membres de l'IETM sont prioritaires.

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Cette session d'information ouverte présentera les Mobility Info Points et le réseau On the Move : des points de contact dans plusieurs pays européens, aux États-Unis et en ligne - offrant des conseils et/ou des informations sur les aspects administratifs liés à la mobilité des artistes et professionnels culturels (visas, contrats de travail, fiscalité, sécurité sociale etc.). Après cette première introduction, les participants sont invités à discuter de leurs besoins et de leurs questions aux différentes « tables MIP », qui seront axées sur certains pays (Belgique, République tchèque, France, Allemagne, Pays-Bas, etc.).

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

L'égalité des sexes est loin d'être une réalité, avec plus d'hommes que de femmes à la tête d’entreprises et d'institutions théâtrales. C'est aussi simple que cela. Les réactions face à ce constat varient considérablement : des associations professionnelles de femmes luttent pour plus de pouvoir chez les femmes ; d'autres considèrent cette approche comme un simple remplacement d'un système de pouvoir par un autre. Ces derniers soulignent que de nouvelles structures, par exemple dans les théâtres indépendants, sont moins patriarcales pour une raison structurelle. Et les revendications de quotas dans les programmes d'emploi sont contrées par l'approche visant à développer un nouveau concept de diversité intersectorielle dans les institutions culturelles.

Cette session offrira un bon aperçu des différents aspects des initiatives actuelles et permettra une discussion plus factuelle. Nous espérons  dévoiler une nouvelle stratégie et peut-être même le moyen d'unir nos forces à celles d'alliés insoupçonnés.

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Cette session d'information ouverte présentera les Mobility Info Points et le réseau On the Move : des points de contact dans plusieurs pays européens, aux États-Unis et en ligne - offrant des conseils et/ou des informations sur les aspects administratifs liés à la mobilité des artistes et professionnels culturels (visas, contrats de travail, fiscalité, sécurité sociale etc.). Après cette première introduction, les participants sont invités à discuter de leurs besoins et de leurs questions aux différentes « tables MIP », qui seront axées sur certains pays (Belgique, République tchèque, France, Allemagne, Pays-Bas, etc.).

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L'égalité des sexes est loin d'être une réalité, avec plus d'hommes que de femmes à la tête d’entreprises et d'institutions théâtrales. C'est aussi simple que cela. Les réactions face à ce constat varient considérablement : des associations professionnelles de femmes luttent pour plus de pouvoir chez les femmes ; d'autres considèrent cette approche comme un simple remplacement d'un système de pouvoir par un autre. Ces derniers soulignent que de nouvelles structures, par exemple dans les théâtres indépendants, sont moins patriarcales pour une raison structurelle. Et les revendications de quotas dans les programmes d'emploi sont contrées par l'approche visant à développer un nouveau concept de diversité intersectorielle dans les institutions culturelles.

Cette session offrira un bon aperçu des différents aspects des initiatives actuelles et permettra une discussion plus factuelle. Nous espérons  dévoiler une nouvelle stratégie et peut-être même le moyen d'unir nos forces à celles d'alliés insoupçonnés.

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Comment peut-il y avoir un travail significatif sur une société diversifiée si les ensembles et les programmes ne reflètent pas la diversité des sociétés dont ils font partie ? Comment les artistes peuvent-ils faire une déclaration éclairée sur leur société si leurs équipes ne sont pas aussi diversifiées que la société ? Comment faire cesser les auditions ou les programmations d'artistes migrants organisées uniquement en raison de leurs origines migrantes ? Les artistes ne cherchent qu'à être des artistes. Ou devraient-ils davantage exploiter leurs origines pour faire entendre leur voix ?

Surtitrage en direct en anglais.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Comment peut-il y avoir un travail significatif sur une société diversifiée si les ensembles et les programmes ne reflètent pas la diversité des sociétés dont ils font partie ? Comment les artistes peuvent-ils faire une déclaration éclairée sur leur société si leurs équipes ne sont pas aussi diversifiées que la société ? Comment faire cesser les auditions ou les programmations d'artistes migrants organisées uniquement en raison de leurs origines migrantes ? Les artistes ne cherchent qu'à être des artistes. Ou devraient-ils davantage exploiter leurs origines pour faire entendre leur voix ?

Surtitrage en direct en anglais.

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Les pratiques participatives peuvent-elles être le modèle de nouvelles formes de citoyenneté ? À qui appartient l’art créé dans les arts participatifs ? Pouvons-nous créer plus d'espace pour que les communautés puissent organiser elles-mêmes leurs propres projets ? L'artiste est-il l'instigateur ? L'auteur ? Le témoin ? Ou peut-être quelque chose ou quelqu'un d'autre ? Et avons-nous besoin de le savoir avant de commencer ? Ce sous-groupe s'adresse aux professionnels actifs dans le domaine qui sont prêts à se réunir et à discuter de leurs pratiques.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Le contexte de production des arts de la scène est de plus en plus contraint par ce qu'on appelle « l'état de crise permanent » du secteur artistique. On observe la multiplication d’organisations de production indépendantes au niveau international, des lieux où artistes et producteurs unissent leurs forces et partagent leurs connaissances. On peut penser que cela  résulte d’une meilleure compréhension de la nature des organisations de production par rapport aux années passées. De plus, ces organisations ont tendance à rassembler leurs connaissances, les partager et créer des coalitions aux niveaux national et international. Cette session réunira des producteurs d'arts du spectacle et leurs structures de différents pays et leur donnera l'occasion de partager des exemples de coopération, de bonnes pratiques et d'expliquer leurs modèles et structures commerciaux. Cette session est conçue par trois organisations basées en France, en Hongrie et en Espagne, prêtes à demander au public : à quoi nos organisations devraient-elles ressembler pour remodeler et créer une coopération aux niveaux local et international ? La solidarité et le partage des connaissances peuvent-ils être des valeurs communes ? Comment les compagnies indépendantes et les artistes du monde entier peuvent-ils se soutenir mutuellement par la collaboration et l'échange ?

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Les pratiques participatives peuvent-elles être le modèle de nouvelles formes de citoyenneté ? À qui appartient l’art créé dans les arts participatifs ? Pouvons-nous créer plus d'espace pour que les communautés puissent organiser elles-mêmes leurs propres projets ? L'artiste est-il l'instigateur ? L'auteur ? Le témoin ? Ou peut-être quelque chose ou quelqu'un d'autre ? Et avons-nous besoin de le savoir avant de commencer ? Ce sous-groupe s'adresse aux professionnels actifs dans le domaine qui sont prêts à se réunir et à discuter de leurs pratiques.

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Le contexte de production des arts de la scène est de plus en plus contraint par ce qu'on appelle « l'état de crise permanent » du secteur artistique. On observe la multiplication d’organisations de production indépendantes au niveau international, des lieux où artistes et producteurs unissent leurs forces et partagent leurs connaissances. On peut penser que cela  résulte d’une meilleure compréhension de la nature des organisations de production par rapport aux années passées. De plus, ces organisations ont tendance à rassembler leurs connaissances, les partager et créer des coalitions aux niveaux national et international. Cette session réunira des producteurs d'arts du spectacle et leurs structures de différents pays et leur donnera l'occasion de partager des exemples de coopération, de bonnes pratiques et d'expliquer leurs modèles et structures commerciaux. Cette session est conçue par trois organisations basées en France, en Hongrie et en Espagne, prêtes à demander au public : à quoi nos organisations devraient-elles ressembler pour remodeler et créer une coopération aux niveaux local et international ? La solidarité et le partage des connaissances peuvent-ils être des valeurs communes ? Comment les compagnies indépendantes et les artistes du monde entier peuvent-ils se soutenir mutuellement par la collaboration et l'échange ?

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Avec l'escalade du ressentiment à l'égard des étrangers en Europe - comme un peu partout dans le monde - ces dernières années et le renforcement de l'idée de l'État-nation, une question s'est posée : l'art a-t-il une quelconque importance en ce qui concerne l’éventuel changement social? L'art joue-t-il un rôle au-delà du domaine de la subversion symbolique ? Les organisations culturelles et artistiques peuvent-elles influencer la (re)construction des identités nationales et
supranationales ? Comment les cultures des diverses communautés nationales et macro-régionales peuvent-elles être représentées plus directement sur scène et hors scène ?

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Fabian Lettow et Mirjam Schmuck de Kainkollektiv présenteront l'enregistrement vidéo de leur spectacle et liront en parallèle des parties du scénario. De plus, ils donneront un aperçu de la genèse de cette collaboration germano-camerounaise de six ans qui s'attaque à l'un des plus grands tabous de l'histoire germano-camerounaise : l'esclavage.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Ines Marie Schneider et Felix Gantner, professeurs à la Hochschule für Musik und Theater, animeront une discussion avec leurs étudiants. Les sujets abordés seront l'éducation à la gestion culturelle dans un contexte international et l'avenir de la profession. Comment les académies et les universités pourraient-elles travailler ensemble pour développer un programme européen de gestion culturelle ?

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Avec l'escalade du ressentiment à l'égard des étrangers en Europe - comme un peu partout dans le monde - ces dernières années et le renforcement de l'idée de l'État-nation, une question s'est posée : l'art a-t-il une quelconque importance en ce qui concerne l’éventuel changement social? L'art joue-t-il un rôle au-delà du domaine de la subversion symbolique ? Les organisations culturelles et artistiques peuvent-elles influencer la (re)construction des identités nationales et
supranationales ? Comment les cultures des diverses communautés nationales et macro-régionales peuvent-elles être représentées plus directement sur scène et hors scène ?

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Fabian Lettow et Mirjam Schmuck de Kainkollektiv présenteront l'enregistrement vidéo de leur spectacle et liront en parallèle des parties du scénario. De plus, ils donneront un aperçu de la genèse de cette collaboration germano-camerounaise de six ans qui s'attaque à l'un des plus grands tabous de l'histoire germano-camerounaise : l'esclavage.

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Ines Marie Schneider et Felix Gantner, professeurs à la Hochschule für Musik und Theater, animeront une discussion avec leurs étudiants. Les sujets abordés seront l'éducation à la gestion culturelle dans un contexte international et l'avenir de la profession. Comment les académies et les universités pourraient-elles travailler ensemble pour développer un programme européen de gestion culturelle ?

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De plus en plus d'organisations réinventent l'orientation des politiques culturelles locales ainsi que les modèles de gouvernance en faveur de nouveaux processus qui renégocient résolument les relations entre l'individu, la société et la capacité des organisations et des institutions à répondre aux besoins culturels des citoyens. C'est en partie parce que, plus que jamais, les « publics » sont aussi des « créateurs » du monde actuel - c'est une réalité que nos organisations et les politiques culturelles locales ne peuvent ignorer. Mais dans quelles conditions les organisations culturelles peuvent-elles contribuer à apporter des approches plus efficaces et ascendantes dans leur gouvernance et dans l'élaboration des politiques culturelles ? Dans quelle mesure leur implication peut-elle conduire à de nouvelles pratiques inclusives ou à de nouvelles formes d'hégémonie participative ?

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De plus en plus d'organisations réinventent l'orientation des politiques culturelles locales ainsi que les modèles de gouvernance en faveur de nouveaux processus qui renégocient résolument les relations entre l'individu, la société et la capacité des organisations et des institutions à répondre aux besoins culturels des citoyens. C'est en partie parce que, plus que jamais, les « publics » sont aussi des « créateurs » du monde actuel - c'est une réalité que nos organisations et les politiques culturelles locales ne peuvent ignorer. Mais dans quelles conditions les organisations culturelles peuvent-elles contribuer à apporter des approches plus efficaces et ascendantes dans leur gouvernance et dans l'élaboration des politiques culturelles ? Dans quelle mesure leur implication peut-elle conduire à de nouvelles pratiques inclusives ou à de nouvelles formes d'hégémonie participative ?

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En se basant sur la crise politique, économique, humanitaire et environnementale actuelle en Europe, Daphne Büllesbach, directrice exécutive de European Alternatives, Ivana Nenadović, représentante de DiEM25, l'artiste Jonas Staal, le fondateur de New Unions et l'écrivain Chris Keulemans ont collaboré avec d’autres militants paneuropéens et organisateurs parmi le public afin se réunir pour un échange d’idées. Ils nous invitent à proposer des scénarios pour relancer la démocratie et le projet européen. Ils souhaitent également rejeter les partis ultra-nationalistes qui exigent une séparation de l'Union européenne et veulent revenir à une notion mythique de l'État-nation, ainsi que les fonctionnaires politiques économiques qui ont utilisé l'UE pour leurs politiques de rigueur.

La crise de l'Europe doit être considérée simultanément comme une crise de l'imagination, et en tant que telle, elle constitue un combat que nous, artistes et professionnels de la culture, devons mener en faisant campagne pour apporter des options alternatives allant en faveur des alliances transnationales et des formes de citoyenneté.

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En se basant sur la crise politique, économique, humanitaire et environnementale actuelle en Europe, Daphne Büllesbach, directrice exécutive de European Alternatives, Ivana Nenadović, représentante de DiEM25, l'artiste Jonas Staal, le fondateur de New Unions et l'écrivain Chris Keulemans ont collaboré avec d’autres militants paneuropéens et organisateurs parmi le public afin se réunir pour un échange d’idées. Ils nous invitent à proposer des scénarios pour relancer la démocratie et le projet européen. Ils souhaitent également rejeter les partis ultra-nationalistes qui exigent une séparation de l'Union européenne et veulent revenir à une notion mythique de l'État-nation, ainsi que les fonctionnaires politiques économiques qui ont utilisé l'UE pour leurs politiques de rigueur.

La crise de l'Europe doit être considérée simultanément comme une crise de l'imagination, et en tant que telle, elle constitue un combat que nous, artistes et professionnels de la culture, devons mener en faisant campagne pour apporter des options alternatives allant en faveur des alliances transnationales et des formes de citoyenneté.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Dans le monde des arts, le pitching est souvent associé à la surenchère, à l'exubérance, à l'autopromotion, et parfois même au désagrément. Et en effet, il pourrait y avoir de bonnes raisons de craindre de mettre les pieds dans le plat. Si votre environnement est hostile à l'autopromotion des artistes, la seule façon d'aller de l'avant serait-elle de  vous adapter et de vous abstenir d’y recourir ? Mais que se passe-t-il si l'environnement s'adapte lui aussi ? Si les codes de conduite s'affaiblissent ? Si des théâtres, des musées, des galeries, des cinémas, des festivals et d'autres lieux de diffusion connaissent une diminution de l'audience et de l'attention ? Nous vivons dans une époque de changements rapides, et la numérisation est l'un des facteurs qui l'animent. Comment pouvons-nous faire en sorte de ne pas perdre l'attention dont nous avons tant besoin pour que nos pratiques aient un sens et existent ?

Alors, si vous pensez que vous n'êtes pas capable de pitcher, on apprend à tout âge. Si vous pensez que vous n'aimez pas pitcher, faites un essai. Très souvent, vous n'aurez  même pas besoin de faire un pitch. Pourtant, en trouvant votre propre formule, votre style et votre ton, vous pourriez y arriver. Cette technique vous placera dans une position forte, une position de choix.

Vous voulez participer à la formation ?

Postuler maintenant

Date limite pour postuler : 28 Octobre

La participation à cette formation se fait uniquement sur demande et les membres de l'IETM sont prioritaires.

Notez que la formation est répartie sur 2 sessions le vendredi et le samedi. Il est préférable d'assister aux deux sessions.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Les artistes handicapés de renommée mondiale ne créent pas des œuvres en vase clos ; les organisations qui offrent une excellente accessibilité aux publics et aux professionnels handicapés n’en sont pas arrivées là par hasard. Producteurs, programmeurs, bailleurs de fonds et artistes contribuent tous à l'écosystème culturel. Comment, en Allemagne, les artistes handicapés peuvent-ils passer de la théorie à des changements concrets. Comment  l'Allemagne se compare-t-elle aux autres pays européens ? Cette session examinera ce contexte afin de mettre en place une pratique culturelle réellement inclusive, accessible et de qualité, en s'appuyant sur un certain nombre d'exemples allemands pour explorer ce thème.

Surtitrage en direct en anglais.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

La coopération est un élément essentiel de notre réseau depuis sa fondation et est maintenant un mode d'action commun pour la grande majorité de nos membres. D'aucuns diront que nous avons réduit nos ambitions militantes (rapprocher artistes et publics par l'esthétique et les productions innovantes, jeter des ponts entre des territoires lointains) pour orienter la coopération internationale vers des horizons plus pragmatiques : aider le secteur des arts vivants à affronter les difficultés auxquelles il fait face aujourd'hui.

Cependant, lors de cette session, basée sur la riche expérience des participants, nous cherchons tous ensemble à identifier et à partager les pratiques pour étendre les territoires géographiques de coopération (en particulier vers les pays voisins de l'UE), prendre en compte les différentes problématiques régionales des arts du spectacle, renforcer la diversité esthétique, et concevoir des mécanismes de coopération plus innovants. S'appuyant sur la discussion inspirante de l'IETM Porto, cet atelier proposera un processus participatif visant à étudier différents modèles de coopération pour une collaboration plus progressive et équilibrée.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Découvrez la scène théâtrale indépendante locale diversifiée en rencontrant les associations théâtrales indépendantes de Bavière et de Munich qui présenteront leurs structures, leurs champs d'action et leurs objectifs.

En collaboration avec le Netzwerk freie Szene München, Tanz- und Theaterbüro München, Tanztendenz München, Verband Freie Darstellende Künste Bayern.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Dans le monde des arts, le pitching est souvent associé à la surenchère, à l'exubérance, à l'autopromotion, et parfois même au désagrément. Et en effet, il pourrait y avoir de bonnes raisons de craindre de mettre les pieds dans le plat. Si votre environnement est hostile à l'autopromotion des artistes, la seule façon d'aller de l'avant serait-elle de  vous adapter et de vous abstenir d’y recourir ? Mais que se passe-t-il si l'environnement s'adapte lui aussi ? Si les codes de conduite s'affaiblissent ? Si des théâtres, des musées, des galeries, des cinémas, des festivals et d'autres lieux de diffusion connaissent une diminution de l'audience et de l'attention ? Nous vivons dans une époque de changements rapides, et la numérisation est l'un des facteurs qui l'animent. Comment pouvons-nous faire en sorte de ne pas perdre l'attention dont nous avons tant besoin pour que nos pratiques aient un sens et existent ?

Alors, si vous pensez que vous n'êtes pas capable de pitcher, on apprend à tout âge. Si vous pensez que vous n'aimez pas pitcher, faites un essai. Très souvent, vous n'aurez  même pas besoin de faire un pitch. Pourtant, en trouvant votre propre formule, votre style et votre ton, vous pourriez y arriver. Cette technique vous placera dans une position forte, une position de choix.

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La participation à cette formation se fait uniquement sur demande et les membres de l'IETM sont prioritaires.

Notez que la formation est répartie sur 2 sessions le vendredi et le samedi. Il est préférable d'assister aux deux sessions.

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Les artistes handicapés de renommée mondiale ne créent pas des œuvres en vase clos ; les organisations qui offrent une excellente accessibilité aux publics et aux professionnels handicapés n’en sont pas arrivées là par hasard. Producteurs, programmeurs, bailleurs de fonds et artistes contribuent tous à l'écosystème culturel. Comment, en Allemagne, les artistes handicapés peuvent-ils passer de la théorie à des changements concrets. Comment  l'Allemagne se compare-t-elle aux autres pays européens ? Cette session examinera ce contexte afin de mettre en place une pratique culturelle réellement inclusive, accessible et de qualité, en s'appuyant sur un certain nombre d'exemples allemands pour explorer ce thème.

Surtitrage en direct en anglais.

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La coopération est un élément essentiel de notre réseau depuis sa fondation et est maintenant un mode d'action commun pour la grande majorité de nos membres. D'aucuns diront que nous avons réduit nos ambitions militantes (rapprocher artistes et publics par l'esthétique et les productions innovantes, jeter des ponts entre des territoires lointains) pour orienter la coopération internationale vers des horizons plus pragmatiques : aider le secteur des arts vivants à affronter les difficultés auxquelles il fait face aujourd'hui.

Cependant, lors de cette session, basée sur la riche expérience des participants, nous cherchons tous ensemble à identifier et à partager les pratiques pour étendre les territoires géographiques de coopération (en particulier vers les pays voisins de l'UE), prendre en compte les différentes problématiques régionales des arts du spectacle, renforcer la diversité esthétique, et concevoir des mécanismes de coopération plus innovants. S'appuyant sur la discussion inspirante de l'IETM Porto, cet atelier proposera un processus participatif visant à étudier différents modèles de coopération pour une collaboration plus progressive et équilibrée.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Découvrez la scène théâtrale indépendante locale diversifiée en rencontrant les associations théâtrales indépendantes de Bavière et de Munich qui présenteront leurs structures, leurs champs d'action et leurs objectifs.

En collaboration avec le Netzwerk freie Szene München, Tanz- und Theaterbüro München, Tanztendenz München, Verband Freie Darstellende Künste Bayern.

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Que les artistes et les professionnels européens s'y opposent ou y contribuent, l'eurocentrisme - en d'autres termes, le post-colonialisme - influence sans aucun doute la production artistique et façonne les réseaux de diffusion des arts. L'Europe va-t-elle surmonter son passé colonial et sortir des sentiers battus ? L'Europe peut-elle faire partie du monde sans pour autant considérer ses valeurs et son esthétique comme universelles ? L'Europe peut-elle se rapprocher d'autres cultures par d'autres moyens que l'exotisme et l'appropriation culturelle ?

Surtitrage en direct en anglais.

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Que les artistes et les professionnels européens s'y opposent ou y contribuent, l'eurocentrisme - en d'autres termes, le post-colonialisme - influence sans aucun doute la production artistique et façonne les réseaux de diffusion des arts. L'Europe va-t-elle surmonter son passé colonial et sortir des sentiers battus ? L'Europe peut-elle faire partie du monde sans pour autant considérer ses valeurs et son esthétique comme universelles ? L'Europe peut-elle se rapprocher d'autres cultures par d'autres moyens que l'exotisme et l'appropriation culturelle ?

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Après avoir participé à l'une des battles du festival StreetArt - Festival  
« Funk the system » au Whitebox, nous parlerons du milieu culturel du hip-hop comme d’un nouveau groupe cible du théâtre.  Comment la culture hip-hop provoque-t-elle de nouveaux langages chorégraphiques et comment le contexte du théâtre et d'une scène influence-t-il les formes de danse hip-hop ?

Les cultures urbaines font de plus en plus partie des programmes de théâtre - où est l'intérêt commun entre le théâtre et la culture hip-hop et comment les publics peuvent-ils s'élargir et éventuellement fusionner ? D'une part, on parle de diffusion vers de nouveaux publics, alors que les événements hip-hop rassemblent un grand nombre de spectateurs. D'autre part, le développement du théâtre de danse urbaine questionne la dimension chorégraphique des formes de danse hip-hop. Une nouvelle esthétique voit-elle le jour ? Et comment cette dimension se reflète-t-elle sur la danse urbaine ?

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Après avoir participé à l'une des battles du festival StreetArt - Festival  
« Funk the system » au Whitebox, nous parlerons du milieu culturel du hip-hop comme d’un nouveau groupe cible du théâtre.  Comment la culture hip-hop provoque-t-elle de nouveaux langages chorégraphiques et comment le contexte du théâtre et d'une scène influence-t-il les formes de danse hip-hop ?

Les cultures urbaines font de plus en plus partie des programmes de théâtre - où est l'intérêt commun entre le théâtre et la culture hip-hop et comment les publics peuvent-ils s'élargir et éventuellement fusionner ? D'une part, on parle de diffusion vers de nouveaux publics, alors que les événements hip-hop rassemblent un grand nombre de spectateurs. D'autre part, le développement du théâtre de danse urbaine questionne la dimension chorégraphique des formes de danse hip-hop. Une nouvelle esthétique voit-elle le jour ? Et comment cette dimension se reflète-t-elle sur la danse urbaine ?

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Participez à cette session pour découvrir les organisations et les projets des participants à la session d'entraînement au pitching que Daniel Saltzwedel propose pendant 2 jours à l'IETM Munich.

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Le métier de producteur prend de plus en plus d'importance dans les arts de la scène indépendante et a donné lieu à des profils distincts, mais très diversifiés. Néanmoins, le principal défi reste de mieux faire connaître et reconnaître la profession - sous tous ses aspects - et de mettre en place des structures durables dans les domaines de l'éducation, des échanges et du réseautage.

Destinée aux producteurs, aux gestionnaires et aux agents, cette rencontre offre un espace d'échange d'expériences, d'idées et de savoir-faire. Cette session est une coopération entre l'Association allemande des arts du spectacle indépendants, le Dachverband Tanz Deutschland (Association pour la danse en Allemagne), et le Performing Arts Program Berlin et Katja Sonnemann (productrice des arts du spectacle libre, Academy for Performing Arts Producer).

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu ici.

Le champ de mines des relations postcoloniales s'étend jusque dans la salle de répétition et sur la scène. Il existe des hiérarchies et des divergences dans la programmation, les tournées, le marché et le système de subventions actuels qui favorisent de plus en plus les riches et les privilégiés. Dans quelle mesure la coopération internationale est-elle structurée par l'identité culturelle ou, au contraire, établit-elle des ponts entre les cultures ? Qu'est-ce qui détermine les méthodes, les thèmes et les structures du dialogue interculturel ? Comment la diplomatie culturelle et la coopération culturelle internationale sont-elles source d'équité et de compréhension mutuelle ?

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Destinée aux producteurs, aux gestionnaires et aux agents, cette rencontre offre un espace d'échange d'expériences, d'idées et de savoir-faire. Cette session est une coopération entre l'Association allemande des arts du spectacle indépendants, le Dachverband Tanz Deutschland (Association pour la danse en Allemagne), et le Performing Arts Program Berlin et Katja Sonnemann (productrice des arts du spectacle libre, Academy for Performing Arts Producer).

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Le champ de mines des relations postcoloniales s'étend jusque dans la salle de répétition et sur la scène. Il existe des hiérarchies et des divergences dans la programmation, les tournées, le marché et le système de subventions actuels qui favorisent de plus en plus les riches et les privilégiés. Dans quelle mesure la coopération internationale est-elle structurée par l'identité culturelle ou, au contraire, établit-elle des ponts entre les cultures ? Qu'est-ce qui détermine les méthodes, les thèmes et les structures du dialogue interculturel ? Comment la diplomatie culturelle et la coopération culturelle internationale sont-elles source d'équité et de compréhension mutuelle ?

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