Par quoi commencez-vous pour programmer des événements artistiques afin de mettre en valeur les meilleurs aspects d’une ville ou d’une région tout en explorant les thèmes nationaux et internationaux liés à l’inclusion ? Comment décidez-vous de ce qui est sélectionné ou non ?

Dans cette présentation suivie de questions-réponses, prenez part à la conversation sur comment organiser un programme inclusif et sur la tension intrinsèque entre être représentatif et être sélectif.

Surtitrage en direct en anglais.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Par quoi commencez-vous pour programmer des événements artistiques afin de mettre en valeur les meilleurs aspects d’une ville ou d’une région tout en explorant les thèmes nationaux et internationaux liés à l’inclusion ? Comment décidez-vous de ce qui est sélectionné ou non ?

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Dans la région Adriatique, de multiples événements attirent des milliers de personnes et stimulent l'économie locale. Mais pas sans dommages environnementaux. La solution devrait être une politique de tourisme durable réalisée par des actions "vertes" réduisant l'impact environnemental négatif des grands rassemblements et transformant les déchets produits par les flux touristiques en une nouvelle ressource pour les communautés locales, tant d'un point de vue social qu'économique. 

Zero Waste Adriatic est l'une des initiatives encourageant les événements verts durables dans la région. Participez à cette session pour vous inspirer de l'initiative et de ses recommandations pour rendre vos propres événements plus écologiques.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Notre réseau n'est pas un marché, mais les liens que nous établissons sont là pour servir notre travail. Dans de nombreux pays, le secteur des arts du spectacle est axé sur le " marché ". Comment cet accent mis sur les pratiques commerciales, l'argent et les relations transactionnelles influe-t-il sur nos comportements, sur l'art que nous créons et sur nos publics ? L'accent mis sur le marché a-t-il créé une barrière entre les artistes et le public, avons-nous perdu dans ce processus des liens locaux uniques et notre curiosité pour une nouvelle expression culturelle ?

Lors de la réunion plénière de l'IETM à Porto en 2018, nous avons commencé à explorer le sujet tabou du marché avec toutes les hiérarchies et les disparités économiques qui existent dans notre réseau. Cette session a confirmé les inégalités dans l'approche et la compréhension des gens à l'égard des affaires et du marché insaisissable. À Rijeka, nous souhaitons poursuivre cette conversation en définissant la manière dont nous effectuons notre travail, en explorant qui investit dans ce dernier et comment cela oriente nos objectifs. Qu'est-ce qui définit la frontière entre une œuvre commerciale et le travail avec le public au cœur de sa création ? 

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Cette session régulière depuis 2010 offre aux participants un aperçu des dernières tendances dans le monde du théâtre musical et des arts sonores partout en Europe.

Elle constitue un espace pour les membres et les participants non affiliés qui créent et produisent du théâtre musical et sonore, afin qu’ils partagent des informations concernant les ressources, les nouvelles œuvres, les lieux et festivals, les opportunités, et bien plus encore.

Cette session s’inscrit également comme un forum de débat, alimenté par une série de brèves présentations, qui vous permettra d’en apprendre davantage sur les pratiques des artistes locaux et sur les approches qu’ils adoptent dans la création de leurs œuvres.

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Dans la région Adriatique, de multiples événements attirent des milliers de personnes et stimulent l'économie locale. Mais pas sans dommages environnementaux. La solution devrait être une politique de tourisme durable réalisée par des actions "vertes" réduisant l'impact environnemental négatif des grands rassemblements et transformant les déchets produits par les flux touristiques en une nouvelle ressource pour les communautés locales, tant d'un point de vue social qu'économique. 

Zero Waste Adriatic est l'une des initiatives encourageant les événements verts durables dans la région. Participez à cette session pour vous inspirer de l'initiative et de ses recommandations pour rendre vos propres événements plus écologiques.

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Notre réseau n'est pas un marché, mais les liens que nous établissons sont là pour servir notre travail. Dans de nombreux pays, le secteur des arts du spectacle est axé sur le " marché ". Comment cet accent mis sur les pratiques commerciales, l'argent et les relations transactionnelles influe-t-il sur nos comportements, sur l'art que nous créons et sur nos publics ? L'accent mis sur le marché a-t-il créé une barrière entre les artistes et le public, avons-nous perdu dans ce processus des liens locaux uniques et notre curiosité pour une nouvelle expression culturelle ?

Lors de la réunion plénière de l'IETM à Porto en 2018, nous avons commencé à explorer le sujet tabou du marché avec toutes les hiérarchies et les disparités économiques qui existent dans notre réseau. Cette session a confirmé les inégalités dans l'approche et la compréhension des gens à l'égard des affaires et du marché insaisissable. À Rijeka, nous souhaitons poursuivre cette conversation en définissant la manière dont nous effectuons notre travail, en explorant qui investit dans ce dernier et comment cela oriente nos objectifs. Qu'est-ce qui définit la frontière entre une œuvre commerciale et le travail avec le public au cœur de sa création ? 

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Cette session régulière depuis 2010 offre aux participants un aperçu des dernières tendances dans le monde du théâtre musical et des arts sonores partout en Europe.

Elle constitue un espace pour les membres et les participants non affiliés qui créent et produisent du théâtre musical et sonore, afin qu’ils partagent des informations concernant les ressources, les nouvelles œuvres, les lieux et festivals, les opportunités, et bien plus encore.

Cette session s’inscrit également comme un forum de débat, alimenté par une série de brèves présentations, qui vous permettra d’en apprendre davantage sur les pratiques des artistes locaux et sur les approches qu’ils adoptent dans la création de leurs œuvres.

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Les pratiques des arts du spectacle actuelles survivent au sein d’une écologie particulière grâce au rôle donné à diverses institutions culturelles dont la mission n’est plus de produire de l’art, mais de reproduire un rapport consumériste au travail artistique, où les artistes deviennent de moins en moins présents par leurs œuvres et de plus en plus par leur travail. Ce que les institutions artistiques produisent aujourd'hui ne sont plus des œuvres offertes au public, mais c'est la valorisation elle-même qui est reproduite et échangée. Les nombreuses décennies passées à accorder de l'attention au spectateur - qui est passé par toutes les étapes, de l'observateur au participant, avant de s’émanciper - ont mené ce dernier vers une subjectivation de son statut. Là où les producteurs parlaient de “leurs artistes”, les programmateurs parlent à présent de “leurs publics”. Tandis que le public est considéré comme un modèle, ce que nous voyons depuis la scène est un spectateur programmé. N'est-il pas grand temps de discuter de la production des œuvres, des spectateurs et de la politique de l'observation ?

Surtitrage en direct en anglais.

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Les pratiques des arts du spectacle actuelles survivent au sein d’une écologie particulière grâce au rôle donné à diverses institutions culturelles dont la mission n’est plus de produire de l’art, mais de reproduire un rapport consumériste au travail artistique, où les artistes deviennent de moins en moins présents par leurs œuvres et de plus en plus par leur travail. Ce que les institutions artistiques produisent aujourd'hui ne sont plus des œuvres offertes au public, mais c'est la valorisation elle-même qui est reproduite et échangée. Les nombreuses décennies passées à accorder de l'attention au spectateur - qui est passé par toutes les étapes, de l'observateur au participant, avant de s’émanciper - ont mené ce dernier vers une subjectivation de son statut. Là où les producteurs parlaient de “leurs artistes”, les programmateurs parlent à présent de “leurs publics”. Tandis que le public est considéré comme un modèle, ce que nous voyons depuis la scène est un spectateur programmé. N'est-il pas grand temps de discuter de la production des œuvres, des spectateurs et de la politique de l'observation ?

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Le développement culturel est lié par sa nature à la qualification de l'excellence artistique et de l'autonomie artistique. En contrepartie, la participation culturelle fait partie intégrante de la démocratie culturelle. En conséquence, une participation culturelle améliorée qui ne compromet pas les arts représente l'un des défis les plus importants de la politique de démocratie culturelle. La reconnaissance de la participation culturelle comme une forme démocratique digne de l'attention et du soutien du public dans certains cas a déjà provoqué la marginalisation et la négligence des questions liées aux valeurs esthétiques et artistiques. En parallèle, l'exigence de l'inclure différents groupes sociaux dans les arts a souvent été instrumentalisée et a abouti à l'absence de changement dans les relations de pouvoir.  Dans quelle mesure les formes démocratiques sont-elles maintenues dans le développement culturel ? Quelle genre participation légitime la démocratie culturelle ? À quel point la participation culturelle devient-elle du divertissement et du consumérisme ? Comment devrait-on changer le paradigme utilitariste de la démocratie culturelle pour que la mise en place de la participation culturelle ne se mue pas en populisme ? À quoi devrait ressembler la démocratie culturelle du 21e siècle ? Ce discours du jour abordera ces questions sous l'angle des initiatives nouvelles et émergentes visant à redéfinir la vitalité démocratique, la qualité et la responsabilité en matière de politique culturelle.

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Le développement culturel est lié par sa nature à la qualification de l'excellence artistique et de l'autonomie artistique. En contrepartie, la participation culturelle fait partie intégrante de la démocratie culturelle. En conséquence, une participation culturelle améliorée qui ne compromet pas les arts représente l'un des défis les plus importants de la politique de démocratie culturelle. La reconnaissance de la participation culturelle comme une forme démocratique digne de l'attention et du soutien du public dans certains cas a déjà provoqué la marginalisation et la négligence des questions liées aux valeurs esthétiques et artistiques. En parallèle, l'exigence de l'inclure différents groupes sociaux dans les arts a souvent été instrumentalisée et a abouti à l'absence de changement dans les relations de pouvoir.  Dans quelle mesure les formes démocratiques sont-elles maintenues dans le développement culturel ? Quelle genre participation légitime la démocratie culturelle ? À quel point la participation culturelle devient-elle du divertissement et du consumérisme ? Comment devrait-on changer le paradigme utilitariste de la démocratie culturelle pour que la mise en place de la participation culturelle ne se mue pas en populisme ? À quoi devrait ressembler la démocratie culturelle du 21e siècle ? Ce discours du jour abordera ces questions sous l'angle des initiatives nouvelles et émergentes visant à redéfinir la vitalité démocratique, la qualité et la responsabilité en matière de politique culturelle.

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Au cours des dernières décennies, les arts du spectacle contemporains ont évolué rapidement. Mais les publics ont-ils suivi ce développement ? Qui assiste aux performances contemporaines à l'heure actuelle et pourquoi ? Comment les publics s'identifient-ils aux différentes parties de la chaîne de création et aux programmes ? Le grand public perçoit-il la tradition et l'avant-garde ?

Comment pouvons-nous envisager les arts du spectacle du futur avec les publics ? Créons-nous afin d'interpeller le public sur nos propres codes artistiques ? Quelles hypothèses émettons-nous sur les goûts et la vision du public ?

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Développement des publics et inclusion sont les mots à la mode dans le secteur artistique contemporain. Cet accent mis sur les publics et l'inclusion est-il inspiré par des programmes politiques ou par des valeurs artistiques - ou par les deux ? Devrions-nous nous concentrer sur la recherche de nouveaux publics ou nous impliquer davantage auprès de ceux qui existent déjà ? Sommes-nous là pour refléter ou pour créer le public ? Pouvons-nous parler de qui est dans la pièce et pas seulement de qui n'est pas là ? Qui voulons-nous atteindre et pourquoi interpelons-nous le public à la base ? Sommes-nous conscients de ce qui motive notre travail avec les publics ? Sommes-nous transparents à propos de nos relations avec eux ? Incluons-nous les bonnes personnes dans cette relation ?

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Le réseau Balkan Express a été fondé lors de la réunion plénière de l'IETM à Trieste en 2002, en tant que plate-forme reliant les personnes intéressées par la collaboration dans et avec les Balkans, impliquées dans l'art contemporain et les pratiques sociales engagées. Depuis plus de 15 ans, il offre un espace de réflexion sur les nouveaux rôles de l'art contemporain dans un environnement politique et social en pleine évolution. Toutefois, il s'agit pour l'instant d'une initiative en sommeil, principalement en raison de l'absence d'une source stable de financement.

En utilisant l'histoire de Balkan Express comme point de départ, la conversation vise à définir de nouvelles trajectoires et ressources possibles pour la coopération et les échanges régionaux entre professionnels des arts du spectacle en Europe du Sud-Est. Où est notre force et qu'est-ce qui nous rend vulnérables ? Comment les acteurs de ces contextes fragiles peuvent-ils se soutenir les uns les autres face au déclin du soutien et face à la division des systèmes politiques ? Quel est le nouveau rôle des réseaux de soutien à la coopération dans et avec les Balkans ? Qui devrait en assurer le fonctionnement et comment ?

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Ce groupe de discussion poursuit les débats entamés lors des précédentes réunions de l’IETM depuis l’automne 2017. Cette session est ouverte à tous particulièrement ceux ayant une pratique dans l’espace rural. Nous aborderons deux sujets :

Établir des collaborations significatives
La sociologie des habitants évoluent rapidement. Les jeunes talents s’en vont, les établissements culturels et sociaux disparaissent, de nouvelles cultures arrivent en raison de la migration du travail et des réfugiés climatiques et les cultures dominantes ignorent la culture et les valeurs régionales.

Comment travailler dans de petites communautés ? Peut-on combler les fossés entre les différents groupes dans les sociétés rurales ? Comment travailler dans les petites communautés rurales pour établir de la confiance et des collaborations significatives avec leurs habitants ?

Attentes pour ce groupe de discussion
En tant que membres de l’IETM travaillant dans les zones rurales, que voulons-nous retirer des réunions de groupe ? Améliorer l’échange d’expériences, affiner notre plaidoyer et recevoir du soutien pour celui-ci sur le plan local, régional et national, créer de meilleurs outils pour le réseautage et en apprendre plus sur les projets de chacun ? Et vous, que pourriez-vous faire pour contribuer à ce groupe ?

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Marija Katalinić, gestionnaire du programme de participation de Rijeka 2020, présentera l’une des priorités du projet Rijeka 2020 : encourager la participation active des citoyens dans la définition de la scène socio-culturelle de Rijeka et nouer des partenariats avec les communautés locales. Avec les programmes Civil Initiatives et Green Wave, les citoyens ont la possibilité de proposer, de développer et de mettre en place des projets s’attaquant à des problèmes concrets ou améliorant les conditions de vie.

Le programme de Civil Initiatives vise à impliquer activement les citoyens dans la création de programmes sociaux et culturels et à améliorer la production et les capacités organisationnelles des groupes informels de citoyens et des individus.

Le but du projet Green Wave est de remplir les aires, places, rues, fenêtres et balcons de la ville avec des herbes curatives, parfumées, comestibles et indigènes d’ici 2020.

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Au cours des dernières décennies, les arts du spectacle contemporains ont évolué rapidement. Mais les publics ont-ils suivi ce développement ? Qui assiste aux performances contemporaines à l'heure actuelle et pourquoi ? Comment les publics s'identifient-ils aux différentes parties de la chaîne de création et aux programmes ? Le grand public perçoit-il la tradition et l'avant-garde ?

Comment pouvons-nous envisager les arts du spectacle du futur avec les publics ? Créons-nous afin d'interpeller le public sur nos propres codes artistiques ? Quelles hypothèses émettons-nous sur les goûts et la vision du public ?

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Développement des publics et inclusion sont les mots à la mode dans le secteur artistique contemporain. Cet accent mis sur les publics et l'inclusion est-il inspiré par des programmes politiques ou par des valeurs artistiques - ou par les deux ? Devrions-nous nous concentrer sur la recherche de nouveaux publics ou nous impliquer davantage auprès de ceux qui existent déjà ? Sommes-nous là pour refléter ou pour créer le public ? Pouvons-nous parler de qui est dans la pièce et pas seulement de qui n'est pas là ? Qui voulons-nous atteindre et pourquoi interpelons-nous le public à la base ? Sommes-nous conscients de ce qui motive notre travail avec les publics ? Sommes-nous transparents à propos de nos relations avec eux ? Incluons-nous les bonnes personnes dans cette relation ?

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Le réseau Balkan Express a été fondé lors de la réunion plénière de l'IETM à Trieste en 2002, en tant que plate-forme reliant les personnes intéressées par la collaboration dans et avec les Balkans, impliquées dans l'art contemporain et les pratiques sociales engagées. Depuis plus de 15 ans, il offre un espace de réflexion sur les nouveaux rôles de l'art contemporain dans un environnement politique et social en pleine évolution. Toutefois, il s'agit pour l'instant d'une initiative en sommeil, principalement en raison de l'absence d'une source stable de financement.

En utilisant l'histoire de Balkan Express comme point de départ, la conversation vise à définir de nouvelles trajectoires et ressources possibles pour la coopération et les échanges régionaux entre professionnels des arts du spectacle en Europe du Sud-Est. Où est notre force et qu'est-ce qui nous rend vulnérables ? Comment les acteurs de ces contextes fragiles peuvent-ils se soutenir les uns les autres face au déclin du soutien et face à la division des systèmes politiques ? Quel est le nouveau rôle des réseaux de soutien à la coopération dans et avec les Balkans ? Qui devrait en assurer le fonctionnement et comment ?

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Ce groupe de discussion poursuit les débats entamés lors des précédentes réunions de l’IETM depuis l’automne 2017. Cette session est ouverte à tous particulièrement ceux ayant une pratique dans l’espace rural. Nous aborderons deux sujets :

Établir des collaborations significatives
La sociologie des habitants évoluent rapidement. Les jeunes talents s’en vont, les établissements culturels et sociaux disparaissent, de nouvelles cultures arrivent en raison de la migration du travail et des réfugiés climatiques et les cultures dominantes ignorent la culture et les valeurs régionales.

Comment travailler dans de petites communautés ? Peut-on combler les fossés entre les différents groupes dans les sociétés rurales ? Comment travailler dans les petites communautés rurales pour établir de la confiance et des collaborations significatives avec leurs habitants ?

Attentes pour ce groupe de discussion
En tant que membres de l’IETM travaillant dans les zones rurales, que voulons-nous retirer des réunions de groupe ? Améliorer l’échange d’expériences, affiner notre plaidoyer et recevoir du soutien pour celui-ci sur le plan local, régional et national, créer de meilleurs outils pour le réseautage et en apprendre plus sur les projets de chacun ? Et vous, que pourriez-vous faire pour contribuer à ce groupe ?

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Marija Katalinić, gestionnaire du programme de participation de Rijeka 2020, présentera l’une des priorités du projet Rijeka 2020 : encourager la participation active des citoyens dans la définition de la scène socio-culturelle de Rijeka et nouer des partenariats avec les communautés locales. Avec les programmes Civil Initiatives et Green Wave, les citoyens ont la possibilité de proposer, de développer et de mettre en place des projets s’attaquant à des problèmes concrets ou améliorant les conditions de vie.

Le programme de Civil Initiatives vise à impliquer activement les citoyens dans la création de programmes sociaux et culturels et à améliorer la production et les capacités organisationnelles des groupes informels de citoyens et des individus.

Le but du projet Green Wave est de remplir les aires, places, rues, fenêtres et balcons de la ville avec des herbes curatives, parfumées, comestibles et indigènes d’ici 2020.

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De l'interaction avec le public à l'implication d'acteurs non professionnels, tant avec des approches ascendantes que descendantes, le développement de la performance immersive est en plein essor. Mais que souhaitons-nous accomplir en incluant le public dans nos spectacles ? S'agit-il simplement de transformer la culture en jeu ou de laisser l'occasion aux spectateurs d'interpréter un sens par rapport à leur propre vie ? Quelle est la relation entre ces formes participatives et les institutions dites "de haute culture" qui tentent de les adopter rapidement ? Est-il juste de supposer que la participation est essentielle à un véritable engagement du public ? S'agit-il d'un processus de démocratie culturelle ou de démocratisation culturelle ? Et s'agit-il d'un processus nécessaire à la performance ou d'un moyen de remplir les critères des régimes de financement ?

Cette session comprendra une présentation rapide des idées de base par un petit groupe de professionnels, suivie d'une séance interactive à laquelle les participants auront l'occasion de répondre. Les réponses, qui seront mises au point en petits groupes, prendront la forme de présentations verbales ou de performances immersives concises. 

La session n'a pas pour but de fournir des réponses ou d'imposer une opinion, mais de donner aux participants des idées à explorer davantage dans leur propre travail.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

De l'interaction avec le public à l'implication d'acteurs non professionnels, tant avec des approches ascendantes que descendantes, le développement de la performance immersive est en plein essor. Mais que souhaitons-nous accomplir en incluant le public dans nos spectacles ? S'agit-il simplement de transformer la culture en jeu ou de laisser l'occasion aux spectateurs d'interpréter un sens par rapport à leur propre vie ? Quelle est la relation entre ces formes participatives et les institutions dites "de haute culture" qui tentent de les adopter rapidement ? Est-il juste de supposer que la participation est essentielle à un véritable engagement du public ? S'agit-il d'un processus de démocratie culturelle ou de démocratisation culturelle ? Et s'agit-il d'un processus nécessaire à la performance ou d'un moyen de remplir les critères des régimes de financement ?

Cette session comprendra une présentation rapide des idées de base par un petit groupe de professionnels, suivie d'une séance interactive à laquelle les participants auront l'occasion de répondre. Les réponses, qui seront mises au point en petits groupes, prendront la forme de présentations verbales ou de performances immersives concises. 

La session n'a pas pour but de fournir des réponses ou d'imposer une opinion, mais de donner aux participants des idées à explorer davantage dans leur propre travail.

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Travailler avec les arts (du spectacle) dans les régions rurales - souvent peu peuplées, mais aux populations diverses - exige des moyens inventifs de communiquer avec le public.  Et ce, en raison de la rareté des installations sociales et culturelles et de la réduction des budgets consacrés aux arts dans les régions rurales. 

Quelle est la dynamique de la relation entre les publics et les professionnels des arts du spectacle en milieu rural ? De quoi a-t-on besoin pour créer et maintenir une relation durable avec les publics ruraux ? Une méthode participative contribue-t-elle à créer des relations meilleures et plus durables ? Comment concevoir un programme pour un public rural divergent ? Y a-t-il un besoin ou un espace pour une approche éducative ? Les outils numériques peuvent-ils être utiles ? Devrions-nous investir pour rapprocher les publics ruraux et urbains ? Quel est le plaisir de travailler en milieu rural en soi ? En commençant par ces multiples questions, nous nous livrerons à une réflexion collective sur la façon de communiquer avec les publics ruraux de la façon la plus significative et la plus enrichissante qui soit. 

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Avec les publics, comment pouvons-nous établir une bonne programmation qui continue de les interpeller sans tomber dans le piège de simplement leur faire plaisir ? Et qui devrait avoir une voix ?

Dans cette session, nous allons d’abord tirer un enseignement de la longue expérience du Kilowatt Festival et de ses “Visionari”, un ensemble de spectateurs impliqués dans la programmation du festival selon un modèle qui s’est développé en Italie. Nous découvrirons ensuite les résultats de la recherche de Be SpectACTive!, un projet de coopération européen à grande échelle qui opère dans les arts du spectacle au travers des productions artistiques et des pratiques participatives visant à impliquer les publics dans les processus créatifs et organisationnels. Enfin, nous discuterons des raisons pour lesquelles la programmation est un acte de citoyenneté et de spectatorat actifs.

Veuillez consulter l'accessibilité de ce lieu sur cette page.

Nous investissons beaucoup de temps, d'énergie et de ressources pour attirer de nouveaux publics non traditionnels. Mais que faire de ces nouveaux-venus une fois arrivés ? Comment les traitons-nous pour nous assurer qu'ils reviennent ? Nous les invitons dans notre monde - avec ses propres règles et attentes - mais en faisons-nous assez pour qu'ils se sentent les bienvenus et qu'ils se sentent chez eux ? Qui profite de la perpétuation de l'étiquette théâtrale et qui y perd ?

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Travailler avec les arts (du spectacle) dans les régions rurales - souvent peu peuplées, mais aux populations diverses - exige des moyens inventifs de communiquer avec le public.  Et ce, en raison de la rareté des installations sociales et culturelles et de la réduction des budgets consacrés aux arts dans les régions rurales. 

Quelle est la dynamique de la relation entre les publics et les professionnels des arts du spectacle en milieu rural ? De quoi a-t-on besoin pour créer et maintenir une relation durable avec les publics ruraux ? Une méthode participative contribue-t-elle à créer des relations meilleures et plus durables ? Comment concevoir un programme pour un public rural divergent ? Y a-t-il un besoin ou un espace pour une approche éducative ? Les outils numériques peuvent-ils être utiles ? Devrions-nous investir pour rapprocher les publics ruraux et urbains ? Quel est le plaisir de travailler en milieu rural en soi ? En commençant par ces multiples questions, nous nous livrerons à une réflexion collective sur la façon de communiquer avec les publics ruraux de la façon la plus significative et la plus enrichissante qui soit. 

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Avec les publics, comment pouvons-nous établir une bonne programmation qui continue de les interpeller sans tomber dans le piège de simplement leur faire plaisir ? Et qui devrait avoir une voix ?

Dans cette session, nous allons d’abord tirer un enseignement de la longue expérience du Kilowatt Festival et de ses “Visionari”, un ensemble de spectateurs impliqués dans la programmation du festival selon un modèle qui s’est développé en Italie. Nous découvrirons ensuite les résultats de la recherche de Be SpectACTive!, un projet de coopération européen à grande échelle qui opère dans les arts du spectacle au travers des productions artistiques et des pratiques participatives visant à impliquer les publics dans les processus créatifs et organisationnels. Enfin, nous discuterons des raisons pour lesquelles la programmation est un acte de citoyenneté et de spectatorat actifs.

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Nous investissons beaucoup de temps, d'énergie et de ressources pour attirer de nouveaux publics non traditionnels. Mais que faire de ces nouveaux-venus une fois arrivés ? Comment les traitons-nous pour nous assurer qu'ils reviennent ? Nous les invitons dans notre monde - avec ses propres règles et attentes - mais en faisons-nous assez pour qu'ils se sentent les bienvenus et qu'ils se sentent chez eux ? Qui profite de la perpétuation de l'étiquette théâtrale et qui y perd ?

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Le 25 mai 1968, alors que les feux révolutionnaires de Paris brûlaient, cachés derrière les portes du Théâtre de la Cité de Villeurbanne, 23 directeurs de Maisons de la Culture et de théâtres ont signé la Déclaration commune de Villeurbanne. Celle-ci déclarait que la culture était devenue trop "héréditaire, individualiste, bourgeoise" et qu'elle avait créé le "non-public". L'esprit de la déclaration hante les politiques culturelles de l'Europe depuis lors. Les lointains, les invisibles, les innombrables, la multitude - ceux qui ne participent pas. Ce ne sont pas les auditoires, mais leurs parents absents, ceux qui n'ont pas pu être compris, impliqués ou inclus, qui présentent la plus grande perturbation dans la polis ordonnée de notre culture. Ils hantent nos Premiers ministres, nos affiches, nos flux Facebook et nos répétitions ; nos hiérarchies, notre esthétique, nos salaires. Et ils rejoignent les esprits des colonisés et des déplacés, des forêts en feu, des précaires et des blessés, des éteints. Ils réclament de nouvelles ontologies, de nouvelles politiques et de nouvelles cultures. Allons-nous décrocher le téléphone ?

Surtitrage en direct en anglais.

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Le 25 mai 1968, alors que les feux révolutionnaires de Paris brûlaient, cachés derrière les portes du Théâtre de la Cité de Villeurbanne, 23 directeurs de Maisons de la Culture et de théâtres ont signé la Déclaration commune de Villeurbanne. Celle-ci déclarait que la culture était devenue trop "héréditaire, individualiste, bourgeoise" et qu'elle avait créé le "non-public". L'esprit de la déclaration hante les politiques culturelles de l'Europe depuis lors. Les lointains, les invisibles, les innombrables, la multitude - ceux qui ne participent pas. Ce ne sont pas les auditoires, mais leurs parents absents, ceux qui n'ont pas pu être compris, impliqués ou inclus, qui présentent la plus grande perturbation dans la polis ordonnée de notre culture. Ils hantent nos Premiers ministres, nos affiches, nos flux Facebook et nos répétitions ; nos hiérarchies, notre esthétique, nos salaires. Et ils rejoignent les esprits des colonisés et des déplacés, des forêts en feu, des précaires et des blessés, des éteints. Ils réclament de nouvelles ontologies, de nouvelles politiques et de nouvelles cultures. Allons-nous décrocher le téléphone ?

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Les technologies digitales nous ont plongés dans un monde d'instantanéité et d'interaction sans intermédiaires, invitant tout un chacun à participer à la société. L'on pourrait supposer que nous avançons vers une démocratie ascendante, directe et plus développée. Néanmoins, ce phénomène de participation s'est accompagné de son propre modèle d'exclusion. C'est pourquoi chaque institution culturelle et artistique, peu importe sa taille, risque de perdre en crédibilité si elle ne fait pas usage des outils digitaux. Partager sur ce qui se passe dans la boîte noire au travers de plusieurs plateformes digitales est devenu une nécessité accablante, particulièrement lorsque nos ressources sont limitées. Mais qu'avons-nous gagné, nous les artistes, institutions culturelles et publics, dans la qualité de l'interaction ? Le digital est-il un outil efficace en matière d'inclusion et d'émancipation ou, au contraire, fait-il de nous et de nos pratiques des stéréotypes ?

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Il faut encore abattre le quatrième mur pour intégrer le public dans le monde des arts du spectacle. Alors que le nombre de spectateurs semble diminuer, cela peut-il être dû à un éventuel malentendu entre le public et les artistes dont la communication sur leurs intentions artistiques va dans un seul sens ? Les artistes ont-ils monopolisé le droit à la contemporanéité ? 

Le mouvement de démocratisation de la culture ne peut atteindre son but qu'avec la démocratisation de la critique et l'ouverture à la diversité des interprétations. Les auteurs, les réalisateurs et les critiques ne peuvent plus ignorer la capacité du public à interpréter des significations diverses. Le public peut et doit récupérer son rôle de générateur de contenu.

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La gouvernance participative est devenue un sujet populaire au cours des trois dernières décennies, souvent accompagnée d'un accent sur la démocratisation et la décentralisation des pratiques. Le concept de la gouvernance participative est en général défini comme un partage des responsabilités de gouvernance parmi les différents acteurs ayant un enjeu dans ce qu'il se passe. La gouvernance participative se base sur la synergie des acteurs des institutions publiques et des initiatives prises par la société civile et les organisations. Par conséquent, la question centrale de la gouvernance participative est la redistribution du pouvoir. Entre l'information, la consultation, les décisions collaboratives, les actions collaboratives et le soutien aux intérêts communautaires indépendants, quels sont les différents modèles de gouvernance participative dans les arts ? Qu'est-ce qui en résulte : manipulation, symbolisme ou contrôle citoyen ?

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L'éducation artistique et l'éducation des publics par des professionnels de l'art ; ces deux procédés parallèles intègrent-ils la dynamique d'une relation dans laquelle les deux mondes doivent se rencontrer ? Comment pouvons-nous à la fois mener l'art aux personnes et les personnes à l'art ? Quelle place reste-t-il aux publics dans l'éducation des artistes et des professionnels de l'art ? Dans quelle mesure pouvons-nous partager notre art sans forcer le goût et les attentes des publics ? Comment pouvons-nous émanciper le public et abolir les frontières entre les procédés de création et d'interprétation d'une part, et la consommation et la participation d'autre part ?

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Branka Cvjetičanin, responsable du programme pour Rijeka 2020, présentera le programme 27 Neighbourhoods de la Capitale européenne de la culture. Le programme consiste à relier 27 communautés locales avec la population de 27 quartiers européens, en vue de renforcer les communautés locales en consolidant les ressources humaines, en développant les relations interpersonnelles, en organisant des activités culturelles et en augmentant les contenus culturels.

Toutes les régions du Comitat de Primorje-Gorski Kotar sont comprises dans 27 Neighbourhoods – les îles, la côte, l’arrière-pays, les montagnes et la ville de Rijeka. Les métropoles, les villes, les villages, les autres régions et la population des quartiers sélectionnés nouent des partenariats internationaux, participent à des festivals locaux et accueillent des programmes de la Capitale européenne de la culture. Les défis et les efforts d’intégration à l’Union européenne sont indéniables, sachant que développer une identité dite “européenne” s’avère plus complexe qu’il ne paraît.

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Les technologies digitales nous ont plongés dans un monde d'instantanéité et d'interaction sans intermédiaires, invitant tout un chacun à participer à la société. L'on pourrait supposer que nous avançons vers une démocratie ascendante, directe et plus développée. Néanmoins, ce phénomène de participation s'est accompagné de son propre modèle d'exclusion. C'est pourquoi chaque institution culturelle et artistique, peu importe sa taille, risque de perdre en crédibilité si elle ne fait pas usage des outils digitaux. Partager sur ce qui se passe dans la boîte noire au travers de plusieurs plateformes digitales est devenu une nécessité accablante, particulièrement lorsque nos ressources sont limitées. Mais qu'avons-nous gagné, nous les artistes, institutions culturelles et publics, dans la qualité de l'interaction ? Le digital est-il un outil efficace en matière d'inclusion et d'émancipation ou, au contraire, fait-il de nous et de nos pratiques des stéréotypes ?

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Il faut encore abattre le quatrième mur pour intégrer le public dans le monde des arts du spectacle. Alors que le nombre de spectateurs semble diminuer, cela peut-il être dû à un éventuel malentendu entre le public et les artistes dont la communication sur leurs intentions artistiques va dans un seul sens ? Les artistes ont-ils monopolisé le droit à la contemporanéité ? 

Le mouvement de démocratisation de la culture ne peut atteindre son but qu'avec la démocratisation de la critique et l'ouverture à la diversité des interprétations. Les auteurs, les réalisateurs et les critiques ne peuvent plus ignorer la capacité du public à interpréter des significations diverses. Le public peut et doit récupérer son rôle de générateur de contenu.

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La gouvernance participative est devenue un sujet populaire au cours des trois dernières décennies, souvent accompagnée d'un accent sur la démocratisation et la décentralisation des pratiques. Le concept de la gouvernance participative est en général défini comme un partage des responsabilités de gouvernance parmi les différents acteurs ayant un enjeu dans ce qu'il se passe. La gouvernance participative se base sur la synergie des acteurs des institutions publiques et des initiatives prises par la société civile et les organisations. Par conséquent, la question centrale de la gouvernance participative est la redistribution du pouvoir. Entre l'information, la consultation, les décisions collaboratives, les actions collaboratives et le soutien aux intérêts communautaires indépendants, quels sont les différents modèles de gouvernance participative dans les arts ? Qu'est-ce qui en résulte : manipulation, symbolisme ou contrôle citoyen ?

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L'éducation artistique et l'éducation des publics par des professionnels de l'art ; ces deux procédés parallèles intègrent-ils la dynamique d'une relation dans laquelle les deux mondes doivent se rencontrer ? Comment pouvons-nous à la fois mener l'art aux personnes et les personnes à l'art ? Quelle place reste-t-il aux publics dans l'éducation des artistes et des professionnels de l'art ? Dans quelle mesure pouvons-nous partager notre art sans forcer le goût et les attentes des publics ? Comment pouvons-nous émanciper le public et abolir les frontières entre les procédés de création et d'interprétation d'une part, et la consommation et la participation d'autre part ?

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Branka Cvjetičanin, responsable du programme pour Rijeka 2020, présentera le programme 27 Neighbourhoods de la Capitale européenne de la culture. Le programme consiste à relier 27 communautés locales avec la population de 27 quartiers européens, en vue de renforcer les communautés locales en consolidant les ressources humaines, en développant les relations interpersonnelles, en organisant des activités culturelles et en augmentant les contenus culturels.

Toutes les régions du Comitat de Primorje-Gorski Kotar sont comprises dans 27 Neighbourhoods – les îles, la côte, l’arrière-pays, les montagnes et la ville de Rijeka. Les métropoles, les villes, les villages, les autres régions et la population des quartiers sélectionnés nouent des partenariats internationaux, participent à des festivals locaux et accueillent des programmes de la Capitale européenne de la culture. Les défis et les efforts d’intégration à l’Union européenne sont indéniables, sachant que développer une identité dite “européenne” s’avère plus complexe qu’il ne paraît.

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Le mouvement prônant le développement, l’inclusion et l’engagement des publics est un puissant catalyseur pour émanciper les gens et reprendre possession de la citoyenneté. Il semble qu’un public engagé soit également un ensemble de citoyens engagés. En revanche, il semble également que, à force de se concentrer sur le développement des publics, le secteur artistique ait perdu sa capacité à remettre le monde en question. En conséquence, on peut percevoir l’artiste comme tiraillé entre être un étranger romantique ou un initié activiste. Les arts du spectacle devraient-ils nourrir un plus grand désir de devenir des composants de mouvements civiques ? Comment peuvent-ils renouer le contact avec la population et contribuer au changement social ?

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Aujourd'hui, le débat sur l'étude, l’évaluation et la mesure d’impact continue de gagner du terrain. Nous avons pris l'habitude de croire qu'il s'agit de gagner la faveur des financeurs, qui s'intéressent de plus en plus aux indicateurs numériques et aux preuves concrètes. Néanmoins, aussi controversé que puisse paraître le débat sur la "mesure d'impact", il s'agit aussi d'une auto-évaluation et d'une amélioration pertinentes de nos propres pratiques.

Comment évaluer l'activité culturelle et sa relation avec le public ? Quels sont les critères pertinents et les outils adéquats ? Comment pouvons-nous prendre le contrôle du processus plutôt que d'être dictés d'"en haut", et qu'est-ce que cela signifie pour notre pratique en développement ?

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Comment les arts du spectacle peuvent-ils mettre en cause les cultures éminentes dans nos sociétés et encourager l’union plutôt que la division ? Cette session explorera comment nous pouvons modéliser et présenter des idées et des communautés alternatives et travailler ensemble à l’établissement d’une culture du consentement, et du consensus, consciente des inégalités et de la polarisation dans laquelle travaillent les plus vastes cultures.

À quel point sommes-nous conscient du consentement lorsque nous interagissons avec le public et les participants ? En tant qu’individus et artistes, comment respectons-nous le pouvoir et l’autonomie des personnes tout en favorisant un connexion avec elle ? Si le personnel est politique, comment notre art et nos actions contribuent-ils à opérer des changements dans le monde ?

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En théorie, les artistes et les organismes de financement devraient collaborer vers un même but : le développement, l'enrichissement et l'accessibilité de la culture et des arts. Néanmoins, en pratique, il semble exister une friction incessante entre les deux. Les artistes se sentent peu appréciés, ignorés et parfois limités par les organismes de financement, là où ces derniers se sentent oppressés et restreints par le déséquilibre entre les besoins des artistes et les ressources limitées allouées aux arts et à la culture par les gouvernements. Cela crée souvent un désaccord sur la question de savoir qui devrait décider comment dépenser le financement des arts et de la culture. Faut-il que ce soit les artistes eux-mêmes ? Devrait-il s'agir d'un organisme intermédiaire comme les conseils des arts ? Ou peut-être devrait-il s'agir de citoyens ?  

Lors de la réunion plénière de l'IETM à Hull, la session "Si les financeurs voulaient vraiment soutenir les artistes, que pourraient-ils entreprendre ?" a ouvert un dialogue entre les artistes et les organismes de financement. Au cours de cette session interactive à Rijeka, nous nous plongerons plus profondément dans la compréhension des courants sous-jacents de ce dysfonctionnement continuel. Ensemble, nous essaierons de trouver les raisons qui font que les artistes et les organismes de financement ont l'impression d'être dans des camps opposés. Nous relèverons également le défi de mettre au clair ce qui est nécessaire pour une pratique artistique et une vie culturelle saines, dynamiques et prospères dans une communauté.  

À l'aide d'une application interactive en ligne, nous recueillerons des statistiques des personnes présentes dans la salle.  Les contradictions les plus courantes entre les artistes et les financeurs identifiées lors du sondage seront portées à l'attention des groupes de discussion. 

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Le mouvement prônant le développement, l’inclusion et l’engagement des publics est un puissant catalyseur pour émanciper les gens et reprendre possession de la citoyenneté. Il semble qu’un public engagé soit également un ensemble de citoyens engagés. En revanche, il semble également que, à force de se concentrer sur le développement des publics, le secteur artistique ait perdu sa capacité à remettre le monde en question. En conséquence, on peut percevoir l’artiste comme tiraillé entre être un étranger romantique ou un initié activiste. Les arts du spectacle devraient-ils nourrir un plus grand désir de devenir des composants de mouvements civiques ? Comment peuvent-ils renouer le contact avec la population et contribuer au changement social ?

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Aujourd'hui, le débat sur l'étude, l’évaluation et la mesure d’impact continue de gagner du terrain. Nous avons pris l'habitude de croire qu'il s'agit de gagner la faveur des financeurs, qui s'intéressent de plus en plus aux indicateurs numériques et aux preuves concrètes. Néanmoins, aussi controversé que puisse paraître le débat sur la "mesure d'impact", il s'agit aussi d'une auto-évaluation et d'une amélioration pertinentes de nos propres pratiques.

Comment évaluer l'activité culturelle et sa relation avec le public ? Quels sont les critères pertinents et les outils adéquats ? Comment pouvons-nous prendre le contrôle du processus plutôt que d'être dictés d'"en haut", et qu'est-ce que cela signifie pour notre pratique en développement ?

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Comment les arts du spectacle peuvent-ils mettre en cause les cultures éminentes dans nos sociétés et encourager l’union plutôt que la division ? Cette session explorera comment nous pouvons modéliser et présenter des idées et des communautés alternatives et travailler ensemble à l’établissement d’une culture du consentement, et du consensus, consciente des inégalités et de la polarisation dans laquelle travaillent les plus vastes cultures.

À quel point sommes-nous conscient du consentement lorsque nous interagissons avec le public et les participants ? En tant qu’individus et artistes, comment respectons-nous le pouvoir et l’autonomie des personnes tout en favorisant un connexion avec elle ? Si le personnel est politique, comment notre art et nos actions contribuent-ils à opérer des changements dans le monde ?

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En théorie, les artistes et les organismes de financement devraient collaborer vers un même but : le développement, l'enrichissement et l'accessibilité de la culture et des arts. Néanmoins, en pratique, il semble exister une friction incessante entre les deux. Les artistes se sentent peu appréciés, ignorés et parfois limités par les organismes de financement, là où ces derniers se sentent oppressés et restreints par le déséquilibre entre les besoins des artistes et les ressources limitées allouées aux arts et à la culture par les gouvernements. Cela crée souvent un désaccord sur la question de savoir qui devrait décider comment dépenser le financement des arts et de la culture. Faut-il que ce soit les artistes eux-mêmes ? Devrait-il s'agir d'un organisme intermédiaire comme les conseils des arts ? Ou peut-être devrait-il s'agir de citoyens ?  

Lors de la réunion plénière de l'IETM à Hull, la session "Si les financeurs voulaient vraiment soutenir les artistes, que pourraient-ils entreprendre ?" a ouvert un dialogue entre les artistes et les organismes de financement. Au cours de cette session interactive à Rijeka, nous nous plongerons plus profondément dans la compréhension des courants sous-jacents de ce dysfonctionnement continuel. Ensemble, nous essaierons de trouver les raisons qui font que les artistes et les organismes de financement ont l'impression d'être dans des camps opposés. Nous relèverons également le défi de mettre au clair ce qui est nécessaire pour une pratique artistique et une vie culturelle saines, dynamiques et prospères dans une communauté.  

À l'aide d'une application interactive en ligne, nous recueillerons des statistiques des personnes présentes dans la salle.  Les contradictions les plus courantes entre les artistes et les financeurs identifiées lors du sondage seront portées à l'attention des groupes de discussion. 

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